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Souvenirs musicaux de John Rawlings

Souvenirs musicaux de John Rawlings


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1. Joan Baez, L'amour n'est qu'un mot de quatre lettres: Extrait de son album de 1968 N'importe quel jour. Toutes les pistes ont été écrites par Bob Dylan bien qu'il n'ait jamais enregistré la chanson. J'ai vu Joan Baez presque chaque décennie depuis les années 60, la dernière fois c'était au Royal Albert Hall le mois dernier (mai) qui, étant donné son âge, elle a dit que ce serait sa dernière tournée. Je pense qu'elle l'est sans aucun doute, avec Emmy Lou Harris. mon chanteur préféré de tous les temps. J'ai choisi cette chanson à cause des mots énigmatiques habituels de Dylan et de la phrase "Outside a rattling store front window, cats mialed to the break of day".

2. Joni Mitchell, Amélie: Extrait de son album de 1976 Hégire. Je l'ai vue en concert à la Wembley Arena en 1983 et cela reste toujours l'une des meilleures soirées de concert pour moi. Les mots sont basés sur l'aviatrice Amelia Earhardt qui a été la première femme à traverser l'Atlantique en solo et qui a disparu en juillet 1937 lors d'un survol du Pacifique. J'aime aussi penser qu'il pourrait s'agir d'Amy Johnson, une autre héroïne à moi, qui s'est écrasée dans l'estuaire de la Tamise en 1941 et dont le corps n'a jamais été retrouvé.

3. Kate Loup, Ici en Californie: Cette chanson figurait sur son album Près de vous (1979). Kate était une chanteuse/compositrice décédée d'une leucémie en 1986 à l'âge de 44 ans. J'ai entendu une de ses chansons pour la première fois. De l'autre côté de la grande fracture chanté par Nanci Griffith et a décidé d'en savoir plus sur elle. Son album contenait des chansons sur le désir et la perte. Cette chanson, en particulier, est un excellent exemple de son talent, malheureusement écourté.

4. Don McLean, Tarte Américaine: En rentrant au Royaume-Uni depuis l'Allemagne à Noël 1971, j'ai entendu la chanson pour la première fois dans un bar à Bruxelles mais je ne connaissais ni la chanson ni le chanteur. Ce n'est que plus tard que je l'ai découvert et, malgré les innombrables fois jouées depuis, il reste toujours un bel hymne au rock n' roll.

5. Kate et Anna McGarrigle, Parle-moi de Mendocino: Extrait du premier album de Kate et Anna McGarrigle sorti en 1976. Je les ai vus pour la première fois sur Le test du vieux sifflet gris et a été frappé, achetant tous leurs albums et les voyant jouer en 1976 (Victoria Palace) et en 1985 (Dominion Theatre). J'ai eu beaucoup de mal à sélectionner une chanson parmi toutes celles que j'aime mais cette chanson a finalement été mon choix. Les mots et l'harmonie sont sublimes. J'ai fait l'erreur de visiter Mendocino en 2016. C'était plein de Starbucks, Taco Bell et Burgher King. Cela n'a cependant pas terni la chanson. Kate McGarrigle et Loudon Wainwright III (voir ci-dessous) sont les parents de Rufus et Martha - un pedigree. Kate est décédée en 2010, mais quel héritage.

6. Loudon Wainwright III, La chanson acide: Extrait de son album Plus de chansons d'amour (1986). Cynique, las du monde et drôle, ses tics et grimaces pendant qu'il chante n'ont pas de prix. Parfois, il tombe dans le doux-amer (comté de Westchester par exemple) mais généralement ses chansons sont barbelées et pleines de satire. J'ai choisi ce morceau uniquement parce qu'il injecte un peu d'humour dans ma liste.

7. Eric Clapton, Magnifique ce soir: Je sais que c'est presque un sacrilège mais je ne fais pas un paquet sur Eric Clapton depuis qu'il a quitté Cream. Cependant, il y a toujours des exceptions à la règle et celle-ci en est une. Ce morceau de son album Main lente (1977) est, pour moi, l'une des chansons les plus romantiques que j'ai entendues. OK, donc Noel Coward a dit "Comment la musique puissante et bon marché" et cela correspond à la facture. Il n'a pas la plus grande voix mais avec des mots et de la musique comme ça, je suis plus que prêt à lui pardonner. La ligne sur les clés de voiture a toujours amusé ma femme. Combien de fois avait-elle pris les clés alors que j'en avais une de trop.

8. Détroit, Roméo et Juliette: Former l'album 1980 Faire des films. Probablement l'un des meilleurs groupes de rock que l'Angleterre ait produit. J'avais l'habitude d'aller à l'hôtel Greyhound à Croydon le dimanche soir où ils étaient souvent en tête d'affiche et des groupes à venir (désolé, des groupes!). Ai-je imaginé avoir vu Dire Straits soutenir Talking Heads ? Non! Difficile de penser que les deux sont devenus des groupes emblématiques. À l'occasion, selon l'artiste et le prix, vous pouvez monter sur le marché jusqu'au Fairfield Hall de l'autre côté de la route. Une phrase qui plaît "Oh, ouais, Roméo, j'avais l'habitude d'avoir une scène avec lui".

9. Tomaso Giovanni Albinoni, Adagio en sol mineur. Inclus pour aucune autre raison que c'était de la bande originale du film Galipoli. Je ne peux pas dire plus que c'est une belle musique envoûtante d'un bon film.

10. Les prétendants, De retour sur le gang des chaînes: Sorti en single en 1982 et inclus dans leur album Apprendre à ramper. Chanté par Chrissie Hynde, la rockeuse originale et dédié au guitariste du groupe James Honeyman-Scott décédé d'une overdose de drogue. Les journaux étaient cyniques et antipathiques à propos de sa mort, d'où la référence cinglante aux "Nouvelles du monde" dans les paroles. Les lignes "qui s'effondrent un jour" étaient assez prophétiques car le journal a été fermé en 2011.

11. Léonard Cohen, Sœurs de la Miséricorde: Extrait du premier album de Leonard Cohen Chansons de Leonard Cohen (1967). C'était l'année où je me suis marié et l'un des colocataires de ma femme nous a acheté cet album ainsi que le Sgt Pepper. Je connaissais Cohen pour avoir lu son livre Beaux perdants l'année précédente mais ne savait pas à l'époque qu'il deviendrait auteur-compositeur-interprète. Je l'ai vu il y a quelques années à l'Echo Arena de Liverpool et même s'il avait soixante-dix ans, il était toujours l'homme courtois, laconique, vêtu d'un fedora, qu'il a toujours été. Rien que sur cet album, il aurait dû battre Dylan pour le prix Nobel. C'était la première chanson que j'ai choisie lors de la compilation de ma liste. Oh, que le reste était si facile à choisir.

12. Jennifer Warnes, Chanson de Bernadette: Écrit par Leonard Cohen et (soi-disant) Jennifer Warnes, il s'agit de son album Célèbre imperméable bleu (1986). Cohen n'a jamais enregistré la chanson mais était heureuse qu'elle enregistre un album entièrement consacré à ses chansons. Il a refusé catégoriquement lorsqu'elle a suggéré le titre "Jenny chante Lenny" !. La chanson fait référence à la jeune fille française qui a eu une vision de la Vierge Marie à Lourdes en 1858. Leonard Cohen a choisi et mélangé ses religions tout au long de sa vie, mais c'est le plus proche qu'il est venu d'écrire un hymne et qui inclut "Hallelujah". Quelle chanson, quelle poésie.

13. Richard Thompson, Vincent Éclair Noir: Écrit et chanté par Richard Thompson et inclus dans son album Rumeur et soupir (1991). Mon premier intérêt pour les motos vient du fait que j'ai roulé en passager sur le vélo Scott Flying Squirrel de mon père il y a quelques années-lumière. Mon premier vélo était un Triumph Tiger Cub, puis je suis passé à un Norton. Mickey, un de mes amis, possédait un Vincent Black Prince qui était l'un des derniers modèles que Vincent a fait. Nous en étions émerveillés. À ma grande honte, j'ai troqué ma veste en cuir contre une parka et j'ai acheté un scooter Vespa ; ceci, après quelques accidents évités de justesse sur le vélo. Cette chanson me rappelle donc cette époque, il n'y avait donc aucune hésitation à l'inclure.

14. Emmylou Harris, Pancho et Lefty: J'ai toujours aimé les chansons qui racontent une histoire et celle-ci ne fait pas exception. Il a été écrit par Townes van Zandt, un talent quelque peu gâché par l'alcool et une mort prématurée. La chanson est devenue un hymne pour Willie Nelson et Merle Haggard mais cette version est d'Emmylou Harris et provient de son album de 1977. Paquebot de luxe. Emmylou est la 7ème artiste féminine à apparaître sur ma liste, ce que cela dit de moi est à deviner. Van Zandt n'a jamais expliqué le scénario, mais certains dans l'industrie de la musique pensent qu'il a des liens avec Pancho Villa, le révolutionnaire mexicain. Emmylou Harris vient très près de Joan Baez en ce qui concerne mes chanteurs préférés de tous les temps.

15. Pietro Mascagni, Intermezzo de Cavalleria Rusticana : Ceci vient de l'opéra de Pietro Mascagni et a été présenté dans le film Parrain III. C'est le dernier morceau de musique sur ma liste et je l'ai inclus parce que je ne peux tout simplement pas imaginer un autre morceau de musique qui puisse susciter des émotions par sa beauté. J'ai demandé à être joué à mes funérailles.


6 hommes de montagne légendaires de la frontière américaine

Né en Virginie, John Colter a répondu pour la première fois à l'appel de l'Ouest en 1804, lorsqu'il a fait un voyage vers l'océan Pacifique et est revenu dans le cadre du célèbre Corps of Discovery de Lewis et Clark&# x2019. Deux ans dans la nature étaient plus que suffisants pour la plupart des membres de l'expédition&# x2019, mais alors qu'ils rentraient chez eux en 1806, Colter a décidé de fuir la civilisation et de se lancer dans une carrière de trappeur de fourrure. Il s'est rapidement imposé comme l'un des hommes de montagne d'origine américaine, et a peut-être été le premier homme blanc à poser les yeux sur le parc national de Yellowstone. Une section du Wyoming&# x2019s Shoshone River est même devenu connu sous le nom de &# x201CColter&# x2019s Hell&# x201D pour ses descriptions de son activité géothermique.

Colter a déjà été blessé alors qu'il combattait aux côtés des tribus Crow et Flathead, mais le chapitre le plus légendaire de sa carrière est survenu en 1809, lorsqu'il a été capturé par une bande de Blackfeet alors qu'il piégeait près de Three Forks, Montana. Après avoir tué son partenaire, les Indiens ont déshabillé Colter, lui ont donné une brève longueur d'avance, puis l'ont poursuivi comme s'il était du gibier sauvage. Ignorant les rochers et les cactus qui déchiquetaient ses pieds, Colter aurait dépassé la plupart des guerriers avant de désarmer son plus proche poursuivant et de le tuer avec sa propre lance. L'homme de la montagne a ensuite titubé dans un fort plusieurs jours plus tard, après avoir parcouru plus de 200 milles vêtu uniquement d'une couverture. Il continuerait à participer à plus de missions de piégeage & à avoir encore plus de démêlés avec les Blackfeet&# x2014 avant de finalement se retirer dans une ferme du Missouri en 1810.


Souvenirs musicaux de John Rawlings - Histoire

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(John Lennon et Paul McCartney)

&ldquoIl y a des endroits dont je me souviens & hellip&rdquo Avec ces paroles d'introduction, John Lennon commence ce que la plupart considèrent comme une réflexion personnelle sur les vingt-cinq premières années de sa vie. Bien qu'aucun &ldquodes endroits&rdquo ou &ldquoamis et amants&rdquo sont mentionnés par leur nom, l'auditeur est attiré par le ton réminiscent de sa voix ainsi que par la sensation de tendresse de la ligne mélodique et de l'arrangement musical. À la fin de la chanson, nous avons l'impression d'avoir été emmenés dans un voyage dessiné à la main de deux minutes et vingt-trois secondes à travers la vie de John Lennon.

"Il avait vraiment un côté très chaleureux", se souvient Paul McCartney, "qu'il n'aimait pas trop montrer au cas où il se ferait rejeter". Loin d'être rejetée, la chanson "Dans ma vie" a toujours été considérée comme un morceau respecté de musique déposée vers la fin de leur chef-d'œuvre pop de 1965 & ldquoRubber Soul.&rdquo John avait peut-être la réputation d'être le "rocker" du groupe même pendant les premières années, mais, comme en témoigne dès l'année précédente &ldquoSi je tombais,», il laissait périodiquement transparaître ses sentiments plus doux dans ses écrits.

La perception de &ldquoIn My Life» comme un souvenir nostalgique de John n'a jamais été aussi forte qu'après sa mort prématurée le 8 décembre 1980. décrit par l'auteur John Robertson dans son livre &ldquoLe guide complet de la musique des Beatles.&rdquo La chanson a été jouée à l'infini sur les stations de radio locales du monde entier. Les paroles sont devenues d'autant plus puissantes et poignantes que nous avons tous échangé des témoignages sur la façon dont sa musique avait touché nos vies. Il était naturel, voire attendu, que la bande originale du film documentaire de 1988 &ldquoImagine: John Lennon&rdquo comporte la chanson.

Cependant, c'est au milieu d'une certaine controverse que Paul McCartney & rsquos 1997 a publié l'autobiographie & ldquoDe nombreuses années à partir de maintenant&rdquo (co-écrit par l'ami Barry Miles) raconte avec des détails convaincants comment il a lui-même joué un très grand rôle dans l'écriture de la chanson. Et pas seulement musicalement, mais aussi lyriquement. L'implication de Paul dans la composition a été admise par John dans les interviews, mais seulement comme étant d'une importance mineure. À toutes fins utiles, « In My Life » avait été considéré comme une « chanson de John » à part entière.

Ce chapitre est écrit dans l'intention de présenter les faits en utilisant toutes les informations connues jusqu'à présent. Cela étant dit, et malheureusement avec les interviews de John Lennon qui ne vont que jusqu'en 1980 sans la possibilité de justifier quoi que ce soit dans l'imprimé de Paul après cela, les deux récits seront discutés ci-dessous pour permettre au lecteur de prendre sa propre décision. Heureusement, dans tout le catalogue Lennon / McCartney, il semble n'y avoir que deux chansons, &ldquoIn My Life&rdquo et &ldquoEleanor Rigby,» qui révèle un désaccord substantiel parmi ses compositeurs quant à savoir qui a écrit quoi. Tous les auteurs, écrivains, commentateurs et fans devront simplement accepter le fait que nous ne saurons jamais vraiment avec certitude.

Histoire de l'écriture de chansons

Le premier germe d'une idée qui a abouti à la chanson &ldquoIn My Life&rdquo est venu avec une interview entre John et un journaliste Kenneth Allsop en mars 1964. John se souvient : &ldquoCela a été déclenché par un journaliste et écrivain en Angleterre réalisé après la sortie du (livre de John&rsquo) &lsquoIn His Own Write&rsquo. Il m'a dit &lsquoPourquoi ne mettez-vous pas une partie de la façon dont vous écrivez dans le livre dans les chansons ?&rsquo ou &lsquoPourquoi ne mettez-vous pas quelque chose sur votre enfance dans les chansons ?&rdquo

Prenant cela à cœur, John a commencé à faire exactement cela. &ldquoJ'ai d'abord écrit les paroles, puis je les ai chantées&rdquo, se souvient Lennon. &ldquoC'était généralement le cas avec des choses comme &lsquoIn My Life&rsquo et &lsquoAcross The Universe&rsquo et certaines de celles qui se démarquent un peu. je l'ai écrit en Kenwood, à l'étage.&rdquo

Le poème original / la feuille de paroles pour &ldquoIn My Life,&rdquo dont Paul se souvient avoir le titre &ldquoPlaces I Remember,&rdquo existe toujours aujourd'hui tel qu'il a été trouvé par Elliot Mintz lorsqu'il a été embauché par Yoko Ono procéder à un inventaire des biens personnels de Jean après son décès. Mintz explique : &ldquoCela faisait partie d'un grand livre dans lequel il conservait toutes ses compositions originales des Beatles. Il m'avait déjà raconté comment la chanson avait été écrite et qu'il considérait cela comme un tournant important dans son écriture et, comme il me l'avait décrit, la chanson était longue et incluait de nombreux noms de lieux, dont Penny Lane. &rdquo

Bien que Jean ait biffé une grande partie de ce qu'il avait écrit, voici ce qui peut être déchiffré à partir de ce document :

&ldquoIl y a des endroits dont je me souviens,

Toute ma vie, tho&rsquo certains ont changé,

Certains pour toujours mais pas pour le meilleur,

Certains sont partis et d'autres restent.

Penny Lane est une personne qui me manque,

En haut de l'église et jusqu'à la tour de l'horloge,

Dans le cercle de l'Abbaye,

je ont vu des heures heureuses.

Passé les poubelles sans tramways,

Passé les Hollandais et Saint-Colomb,

Au Dockers Umbrella qu'ils ont abattu.

Tous ces lieux ont leurs souvenirs,

Certains sont morts et d'autres sont vivants.&rdquo

Pete Shotton, qui était un ami d'enfance proche de John, a raconté comment John lui a dit une fois que les paroles sur les amis qui étaient &ldquomorte&rdquo et &ldquovie& rdquo étaient sur Stuart Sutcliffe, un ami proche et ancien Beatle décédé d'une tumeur au cerveau en avril 1962, et Pete lui-même en tant que &ldquovie& rdquo ami.

Commentant ce poème, Lennon a dit en 1980 : &ldquo&rsquoIn My Life&rsquo a commencé comme un voyage en bus depuis ma maison à 251 Avenue Menlove en ville, en mentionnant tous les endroits dont je me souvenais. J'ai tout écrit et c'était ridicule. Mais ensuite je me suis relaxé et ces paroles ont commencé à me venir à propos des endroits dont je me souviens et hellip J'ai lutté pendant des jours et des heures, essayant d'écrire des paroles intelligentes. Puis j'ai abandonné, et &lsquoIn My Life&rsquo est venu vers moi &ndash laisser tomber est le jeu entier.&rdquo

Dans une interview pour New Musical Express le 12 novembre 1965, près d'un mois avant la sortie de l'album, McCartney a parlé de ce poème comme d'une chanson à venir sur leur prochain album. Il l'a décrit comme & ldquoa nombre sur les endroits à Liverpool où nous sommes nés & hellipEndroits comme Penny Lane et le Dockers&rsquo Umbrella (qui était le Liverpool Overhead Railway) ont un bon son, mais quand nous les avons enchaînés dans une composition, ils sonnaient de manière artificielle, alors nous avons abandonné.&rdquo

On peut remarquer que Paul décrit ici ces lignes comme s'il les avait composées avec John, mais en remarquant de nombreuses interviews données à leur apogée, Lennon et McCartney semblaient faire de gros efforts pour dépeindre le partenariat &ldquoLennon / McCartney&rdquo comme collaboratif avec chaque chanson. publié. John, par exemple, a parlé de la chanson &ldquoHier&rdquo en 1965 avec des termes tels que &ldquobefore on a finalement terminé» &&rdquo et &ldquo l'avait presque terminé» quand, des années plus tard, il a facilement admis qu'il s'agissait entièrement d'une composition de McCartney. Par conséquent, nous pouvons facilement supposer que John avait effectivement composé le poème « Lieux dont je me souviens » par lui-même.

Au cours d'une session d'écriture organisée entre John et Paul pour compléter les chansons de ce qui allait devenir leur prochain album &ldquoRubber Soul&rdquo, John a créé son poème à Paul. C'est là que les écarts commencent à apparaître. Notez le commentaire suivant de John en 1980 à propos de la mélodie utilisée pour &ldquoIn My Life&rdquo : &ldquoIl y a eu une période où je pensais que j'avais écrit des mélodies que Paul avait écrites et que j'ai juste écrit directement en criant rock&rsquon&rsquoroll. Mais bien sûr, quand je pense à certaines de mes propres chansons &ndash &lsquoIn My Life,&rsquo ou à certaines de mes premières chansons, &lsquoCe garçon&rsquo &ndash J'écrivais une mélodie avec les meilleurs d'entre eux.&rdquo À partir de là, John semble revendiquer la mélodie de &ldquoIn My Life&rdquo comme sa propre création entièrement. Il a également fait la déclaration cette année-là en ce qui concerne cette chanson : &ldquoPaul a aidé avec les huit du milieu, musicalement.&rdquo À une autre occasion, John a déclaré &ldquoToutes les paroles étaient déjà écrites avant même que Paul ne les entende. Dans &lsquoIn My Life&rsquo, sa contribution était mélodiquement l'harmonie et le milieu-huit lui-même&rdquo

Cependant, dans son livre &ldquoMany Years From Now&rdquo,&rdquo Paul donne ce souvenir vivant de cette même séance d'écriture chez John&rsquos Kenwood, probablement au début d'octobre 1965 :&ldquoI&rsquoll donne mes souvenirs d'écriture&lsquoIn My Life&rsquo Je suis arrivé chez John&rsquo pour une session d'écriture et il a eu les très belles strophes d'ouverture de la chanson&hellipC'est ce que John avait. Mais si je me souviens bien, il n'avait pas d'air dessus, et mon souvenir, je pense, est en désaccord avec celui de John. J'ai dit, &lsquoEh bien, vous n'avez pas&rsquot un air, laissez-moi juste aller travailler dessus.&rsquo Et je suis descendu au demi-atterrissage, où John avait un Mellotron, et je me suis assis là et j'ai composé un air basé sur mon esprit au Smokey Robinson et les miracles. Des chansons comme &lsquoYou&rsquove Really Got A Hold On Me&rsquo et &lsquoTears Of A Clown&rsquo ont vraiment eu une grande influence. Vous vous référez à quelque chose que vous avez aimé et essayez de prendre l'esprit de cela et d'écrire quelque chose de nouveau.

&ldquoJe me souviens donc avoir écrit toute la mélodie. Et en fait, cela me ressemble beaucoup, si vous l'analysez. Je travaillais évidemment sur les paroles. La structure de la mélodie est très moi. Donc, mon souvenir est de dire à John, &lsquo Allez juste prendre une tasse de thé ou quelque chose. Laissez-moi être avec ça pendant dix minutes tout seul et je le fais. Et avec l'inspiration de Smokey and The Miracles, j'ai essayé de garder ça mélodique mais un peu blues, avec les mineurs et les petites harmonies, et puis mon souvenir est en remontant dans la pièce et en disant : « J'ai compris, super ! Bonne mélodie, je pense. Qu'en pensez-vous ? John a dit : « Nice », et nous avons continué à travailler dessus à partir de ce moment-là, en utilisant cette mélodie et en complétant le reste des couplets. Comme d'habitude, pour ces choses co-écrites, il n'avait souvent que le premier couplet, ce qui était toujours suffisant : c'était la direction, c'était le panneau indicateur et c'était l'inspiration pour toute la chanson. Je déteste le mot mais c'était le modèle."

&ldquoNous l'avons écrit, et dans ma mémoire nous avons tagué l'introduction, que je pense avoir imaginée. J'imaginais l'intro d'un disque de Miracles, et à mon avis, les phrases à la guitare sont très Smokey et The Miracles. C'était donc l'inspiration originale de John, je pense que ma mélodie, je pense que mon riff de guitare. Je ne veux pas être catégorique à ce sujet. Mais c'est mon souvenir. Nous l'avons ensuite terminé et c'était une belle chanson que John a chantée.&rdquo

Comme nous pouvons le voir dans le manuscrit original de son poème, les paroles ont changé de façon assez spectaculaire avant d'atteindre sa forme finale, rendant la chanson beaucoup plus générique et moins spécifique. Quant à la structure mélodique de la chanson, de nombreux commentateurs s'empressent de souligner les similitudes de style avec les compositions écrites par McCartney. Le plus remarquable est l'écriture savante de Ian MacDonald dans son livre &ldquoRévolution dans la tête,&rdquo qui parle des chansons&rsquo &ldquo la verticalité angulaire, couvrant une octave en sauts typiquement larges et difficiles &ndash (qui) montre certainement plus de toucher (McCartney&rsquos) que Lennon&rsquos.&rdquo Cependant, la troisième édition de ce livre contre avec le commentaire ajouté : &ldquoD'autre part, la descente chromatique, via la sous-dominante mineure, dans la seconde moitié du vers suggère Lennon. Peut-être que McCartney a fait la première moitié du couplet, Lennon la seconde ? » Par conséquent, peut-être que John a joué un rôle dans la mélodie comme il l'a toujours insisté.

Une observation intéressante peut être faite en regardant le manuscrit lyrique qui a été fait après que Jean et Paul ont terminé la composition. Tout a été écrit à la main d'une seule personne, s'intitule &ldquoIn My Life (New Song),&rdquo et n'a qu'une seule signature en bas : &ldquoJohn Lennon&rdquo !

Quelques réflexions finales sur la question incluent une interview de 1973 que Paul a faite avec Le magazine Rolling Stone dans lequel on lui a demandé quelles étaient ses chansons préférées de Lennon / McCartney. Sa première réponse a été : "J'ai aimé 'In My Life.' C'étaient des mots que John a écrits et j'ai écrit la mélodie." Puis, dans un 2001 Lecteurs' Digest interview, après que Paul ait discuté de la controverse selon laquelle il voulait être en tête d'affiche dans le catalogue "Lennon / McCartney" sur les chansons où il était le principal auteur-compositeur, il a acquiescé à laisser John faire ce qu'il voulait concernant "Dans ma vie". Concernant la mélodie, Paul a déclaré : "Je pense que je l'ai écrit, mais John pense qu'il l'a écrit. Alors, tu sais quoi ? Il peut l'avoir. Un sur 200 !"

En tout cas, John a toujours été très fier de la chanson. &ldquo&rsquoIn My Life&rsquo a été, je pense, mon premier véritable et important travail. Jusque-là, tout avait été désinvolte et jetable. J'avais un esprit qui écrivait des livres et un autre qui produisait des choses sur &lsquo je t'aime&rsquo et &lsquo tu m'aimes&rsquo,&rsquo parce que&rsquo comment Paul et moi l'avons fait&hellipC'était la première chanson que j'ai écrite qui était vraiment, consciemment, sur ma vie&hellipa souvenir d'amis et les amoureux du passé.&rdquo

Historique d'enregistrement

Le 18 octobre 1965 était leur quatrième session d'enregistrement pour leur album &ldquoRubber Soul&rdquo. Cette session a duré un peu plus de trois heures, ce qui était assez court pour les sessions des Beatles de nos jours, mais beaucoup de choses ont été accomplies dans ce court laps de temps. Ils sont entrés dans EMI Studio Two à 14h30 pour ajouter des overdubs vocaux et du tambourin à George&rsquos &ldquoIf I Need Someone&rdquo qui a commencé à enregistrer deux jours plus tôt, ce qui a pris environ une heure. Ils ont ensuite commencé à répéter leur récente composition &ldquoIn My Life&rdquo pour perfectionner l'arrangement avant que les bandes ne commencent à rouler.

Trois prises ont été faites de la piste rythmique, qui comprenait John à la guitare rythmique électrique, George jouant les riffs de guitare principale tout au long de la chanson, Paul à la basse et Ringo à la batterie jouant un rythme syncopé intéressant. Les deux premières prises n'étaient pas tout à fait correctes, dont l'une était une panne. La troisième prise, cependant, était le gardien sur lequel les overdubs seraient superposés.

Ils ont immédiatement commencé sur ces overdubs, John&rsquos lead vocals étant sans aucun doute le premier interprété, ce qui a nécessité une certaine habileté de sa part afin de correspondre à sa ligne vocale de fin &ldquoJe vous aime Suite&rdquo avec la piste rythmique précédemment enregistrée. Ensuite, John a doublé sa voix, suivi d'un doublage de voix de fond de Paul et George. Un tambourin a également été doublé par Ringo pendant le pont qui a été placé sur une piste séparée de la bande à quatre pistes. A 17h45, la séance était terminée pour la journée.

Une seule chose était nécessaire pour terminer la chanson. George Martin raconte : &ldquoIl y avait une lacune dans la chanson, et j'ai dit : &lsquoNous avons besoin d'un solo ici.&rsquo&rdquo John Lennon a suggéré à George Martin d'en fournir un lui-même. &ldquoDans &lsquoIn My Life&rsquo, il y&rsquo un solo de piano élisabéthain,&rdquo John a déclaré dans une interview de 1970. &ldquoNous&rsquod faisons des choses comme ça. Nous disons, &lsquo Jouez comme Bach,&rsquo ou, &lsquo Pourriez-vous y mettre douze mesures ?&rsquo&rdquo Avec cette instruction vague, George Martin a été laissé à George Martin pour trouver quelque chose un autre jour.

&ldquo&rsquo&rsquo un peu où John pouvait&rsquot décider quoi faire au milieu,&rdquo se souvient George Martin. Bien qu'il raconte comment il a enregistré le solo résultant pour cette section "pendant qu'ils prenaient leur pause thé", cela a été fait quatre jours plus tard, le 22 octobre 1965. Les Beatles devaient arriver à EMI Studio Two ce jour-là pour travailler. sur &ldquoNulle part l'homme&rdquo à 14h30, mais George Martin a sécurisé le studio plus tôt dans la journée, de 10h30 à 11h30, pour superposer une sorte de solo.

&ldquoJ'ai écrit quelque chose comme une inversion de Bach, et je l'ai joué, puis enregistré,» explique George Martin. Mais il devait d'abord décider quel instrument utiliser. D'après ce qui était écrit sur la boîte à cassettes pour ce jour-là, il l'a d'abord essayé sur un orgue Hammond. Sentant que c'était le bon son, il a essayé son solo sur un piano.

Dans une émission de radio de la BBC de 1990 intitulée &ldquoSounds Of The Sixties,&rdquo Georges Martin donne quelques détails intéressants sur le solo de cette chanson : &ldquoC'était une pratique assez courante pour nous de faire une piste et de laisser un trou au milieu pour le solo. Parfois, George prenait sa guitare, s'amusait et faisait un solo, et nous essayions souvent d'obtenir d'autres sons. Sur &lsquoIn My Life&rsquo, nous avons laissé le trou comme d'habitude&hellipPendant leur absence, j'ai pensé que ce serait plutôt sympa d'avoir un solo de clavecin&hellipJe l'ai fait avec ce que j'appelle un piano &lsquowound up&rsquo, qui était à double vitesse &ndash en partie parce que vous obtenez un son de clavecin en raccourcissant l'attaque de tout, mais aussi parce que je pouvais de toute façon le jouer à vitesse réelle. Je l'ai donc joué au piano à exactement la moitié de la vitesse normale, et en bas d'une octave. Lorsque vous ramenez la bande à la vitesse normale, cela sonne plutôt bien. C'est un moyen de faire croire à tout le monde que vous pouvez vraiment bien faire quelque chose.

Étant lui-même satisfait, il ne restait plus que les Beatles à approuver. &ldquoJe leur ai rejoué quand ils sont revenus, et ils ont dit, &lsquoC'est super !&rsquo Alors, nous l'avons laissé comme ça.&rdquo

Le mix mono de &ldquoIn My Life&rdquo a été réalisé le 25 octobre 1965 dans la régie d'EMI Studio Two par George Martin et les ingénieurs Norman Smith et Ken Scott. Le premier mixage stéréo a été réalisé le lendemain, le 26 octobre 1965, dans la régie du même studio avec Martin, Smith et le 2e ingénieur Ron Pender aux commandes.

Ce mixage stéréo place la piste rythmique entière et la piste d'overdub séparée du tambourin sur le canal gauche. Le canal droit contient tous les overdubs vocaux (avec une légère réverbération) ainsi que le solo de piano de George Martin. Un petit saignement de la piste rythmique peut être entendu sur le canal droit car il est joué en studio pour que les Beatles chantent avec, étant capté par leurs microphones. Lorsque les voix sont terminées vers la fin de la chanson, les ingénieurs ont fondu sur le canal droit afin que le saignement disparaisse pendant les dernières secondes de la chanson.

Il s'avère que le solo de piano de George Martin a été joué sur la même piste que l'overdub de tambourin. Pendant qu'ils créaient ce premier mixage stéréo, ils avaient besoin de faire un panoramique de cette piste du canal gauche, où le tambourin est normalement entendu, au canal droit où ils voulaient que le solo de piano soit entendu. Après le solo, ils avaient besoin de déplacer rapidement cette piste vers le canal gauche immédiatement parce que le tambourin arrive au tout prochain temps. Ils ont fait un panoramique assez rapide, de sorte que le premier battement du tambourin est entendu dans le canal droit avant qu'ils n'aient eu la chance de le ramener sur le canal gauche.

En 1986, George Martin est revenu aux bandes maîtresses pour créer un deuxième mixage stéréo de la chanson pour l'album &ldquoRubber Soul&rdquo sorti en 1987 sur disque compact. Ce mixage diffère du premier mixage stéréo de plusieurs manières. Tout d'abord, les voix ont un pourcentage de réverbération plus important qu'auparavant et sont légèrement plus à gauche, ce qui lui donne un effet légèrement centré. Cette fois-ci, ils ont très rapidement ramené le solo de piano sur le canal gauche pour que le tambourin entre sur le temps fort de la bonne mesure. De plus, la batterie est légèrement plus silencieuse pendant les couplets de ce nouveau mixage stéréo.

Il y a aussi quelques petites mais notables différences dans le mix stéréo de 1986 concernant la piste vocale de John. La première est l'absence de souffle de John juste avant qu'il ne commence à chanter au début de la chanson, qui est présente dans le mix stéréo de 1965. Deuxièmement, George Martin a décidé de laisser la piste vocale sur le canal droit à la fin de la chanson au lieu de l'effacer comme il l'avait fait dans le mix stéréo original. Ce sont des anomalies très mineures mais qui méritent d'être mentionnées.

Structure et style du morceau

Définir dans quelle structure &ldquoIn My Life&rdquo s'inscrit est une tâche complexe et varie d'une source à l'autre. Lennon se référant aux deuxième et quatrième sections de la chanson comme un &ldquomiddle-huit&rdquo peut nous donner un indice. Par conséquent, pour des raisons d'écriture, nous appelons ces sections &lsquobridges&rsquo au lieu de refrains. Par conséquent, la structure consisterait en &lsquovere/ bridge/ couplet/ bridge/ couplet (solo)/ bridge&rsquo (ou ababab). Une introduction appropriée, une demi-introduction intercalée après le premier pont et une conclusion culminante sont également incluses.

On entend d'abord une introduction à quatre mesures qui est en fait un riff de guitare à deux mesures (écrit par McCartney et joué par Harrison) répété deux fois avec la guitare rythmique de Lennon en arrière-plan. La basse Paul&rsquos est également présente avec quelques pistes ascendantes intéressantes pour compléter l'arrangement. Avec une légère inspiration de John (dans les mixes de 1965), la batterie syncopé et les voix d'harmonie à trois voix entrent en jeu pour le premier couplet de huit mesures qui suit. Les choristes harmonisent les paroles avec les voix doubles de John&rsquo sur toutes les autres lignes commençant par &ldquoIl y a des endroits dont je me souviens,&rdquo tandis qu'ils &ldquoouh&rdquo pendant la conclusion de chaque pensée, comme lorsque Jean termine la ligne &ldquotoute ma vie, même si certains ont changé.&rdquo

Le premier pont de huit mesures répète le motif d'harmonie bien qu'ils abandonnent le &ldquoouh&rdquos pour permettre à John de terminer la réflexion par lui-même. Les tambours syncopés sont remplacés par de doux coups de cymbale à quatre dans la barre et des secousses de tambourin pour les mesures un, deux, cinq et six, chaque ensemble se terminant par un simple remplissage. Les mesures restantes du pont introduisent un rythme rock traditionnel chevauchant la cloche de la cymbale ride. Les guitares rythmiques de John&rsquos sont allongées pour ajouter de la fluidité à la piste.

Après le pont, Ringo revient immédiatement dans le motif de batterie syncopé alors qu'une reprise de deux mesures de l'introduction est ensuite entendue comme un espaceur avant le deuxième couplet. Sinon, les mêmes ingrédients que ceux entendus dans l'intro sont répétés mais avec une seule phrase au lieu de deux cette fois-ci.

Un deuxième couplet de huit mesures est alors entendu, dont la structure et l'arrangement sont identiques au premier couplet mais avec des paroles différentes. Suit ensuite un deuxième pont qui est également structurellement identique mais avec de nouvelles paroles. Une différence notable est le remplissage des syllabes dans les lignes vocales harmonisées. Dans le premier pont, la plupart des mots occupent deux syllabes chacun, comme sur &ldquomorts et certains sont,&rdquo tandis que le deuxième pont remplit généralement chaque syllabe, comme avec &ldquoJe sais que je m'arrête souvent et pense à eux.&rdquo

Un nouveau couplet de huit mesures suit juste après ce pont, qui cette fois est repris par Georges Martin&rsquos incroyable solo de clavier baroque. La note finale de sa course descendante à double cadence frappe sur le même rythme que John commence à chanter & ldquoMême si je sais que je ne perds jamais mon affection,» introduisant ainsi une répétition du deuxième pont, qui est essentiellement le même structurellement et instrumentalement.

Une fois cette étape terminée, la conclusion de la chanson commence, qui commence par une autre demi-reprise de l'introduction telle qu'elle est entendue entre le premier pont et le deuxième couplet. Après cela, la chanson est suspendue dans les airs alors que Lennon saute en fausset pour la première fois de la chanson, répétant la dernière ligne du dernier couplet, à savoir &ldquoDans ma vie&hellip&rdquo Après avoir perdu momentanément le tempo de la chanson (un peu comme ce qu'il fait trois ans plus tard dans &ldquoLe bonheur est un pistolet chaud&rdquo), John termine la ligne &ldquoje t'aime davantage&rdquo dans sa voix normale mais avec un rythme stagnant pour créer un impact émotionnel sur l'auditeur. Ceci est suivi d'une répétition finale de la ligne d'introduction, puis d'une dernière phrase de conclusion en guise d'arc pour terminer la chanson de manière satisfaisante.

Avec une chanson aussi intime que &ldquoIn My Life&rdquo, on s'attendrait à ce que Lennon enfile sa guitare acoustique Gibson comme il l'avait fait sur de nombreux morceaux &ldquoRubber Soul&rdquo. Étonnamment, mais de manière appropriée, John prend une guitare électrique, probablement sa 1961 Sonic Blue Fender Stratocaster, pour jouer sa partie de guitare rythmique fluide mais subtile. La contribution la plus remarquable de John à la chanson, cependant, était sa voix principale à double piste qui livre de manière convaincante les paroles nostalgiques et touche un nerf avec l'auditeur dans le processus.

Paul peut prendre du recul dans la procédure, mais sa présence se fait définitivement sentir. Son travail de basse ajoute des nuances tout au long de la chanson qui fonctionnent avec l'arrangement tout en ne devenant pas trop occupé. Ses autres contributions sont ses harmonies superbement interprétées et, on peut supposer à partir d'exemples récents tels que "Ticket To Ride", quelles sont probablement ses suggestions à Ringo concernant le rythme de batterie syncopé qu'il joue.

En parlant de cela, Ringo est toujours désireux de jouer de manière appropriée à n'importe quelle occasion, cette fois avec une douceur délicate à la batterie et au tambourin qui n'enlève rien à la prestation vocale de John. George joue encore une fois un rôle mineur ici, celui de choriste et guitariste principal, bien que son jeu ne soit entendu brièvement que quatre fois dans la chanson. Il est cependant parfaitement rendu malgré une note parasite apparaissant après que la note finale de la chanson soit entendue. La note convient et a été incluse, sans aucun doute, pour contribuer à la sensation intime de la chanson.

La livraison puissante de Lennon fonctionne si bien dans cette chanson en raison du contenu immensément nostalgique des paroles. À un moment donné de la vie de chacun, nous souhaitons tous revisiter la vieille ville ou le quartier pour voir à quoi les choses ressemblent actuellement. Nous trouvons inévitablement que &ldquocertains ont changé&rdquo et &ldquopas pour le mieux,&rdquo certains bâtiments et maisons sont démolis ou rénovés au-delà de la reconnaissance. Mais nous sommes toujours heureux de constater quecertains restent» exactement comment nous nous en souvenons, ce qui peut alors nous faire pleurer. Après tout, &ldquotous ces lieux ont eu leurs moments en amoureux et entre amis,&rdquo et ces "bons vieux jours" nous reviennent en courant. Ensuite, notre attention se tourne vers les gens alors que nous commençons à nous demander ce qui leur est arrivé. &ldquoCertains sont morts et certains vivent, "mais nous n'échangerions ces souvenirs contre rien. Nous &ldquoles a tous aimés.&rdquo

Le voyage nostalgique de la chanson passe ensuite au présent, ce qui montre que nous ne vivons pas seulement dans le passé mais que nous apprécions où la vie nous a menés jusqu'à ce point de la vie. Comme peut être notre expérience, John s'adresse à son partenaire actuel en disant qu'aucun de &ldquoces amis et amants&rdquo du passé &ldquose compare à toi.&rdquo Bien qu'il chérira toujours ses années de formation et toutes ces expériences, &ldquoces souvenirs perdent leur sens& rdquo en comparaison avec le bonheur d'aujourd'hui. Comme nous, il va &ldquosouvent s'arrêter et penser à eux&rdquo de temps en temps mais, comme John le raconte en fausset comme point culminant de la chanson, &ldquoDans ma vie je t'aime plus.&rdquo

Il n'est pas étonnant que Lennon considérait cette chanson comme son &ldquopremier véritable et majeur travail.&rdquo

Sorties américaines

Le 6 décembre 1965, le public américain a entendu pour la première fois &ldquoIn My Life&rdquo en tant que piste d'album sur la version Capitol&rsquos de &ldquoÂme en caoutchouc.&rdquo Son placement après la conclusion entraînante de &ldquoI&rsquom Looking Through You&rdquo a définitivement fait ressortir la nature émotionnelle de la chanson. Cette version américaine de "Rubber Soul" est sortie sur un disque compact individuel le 21 janvier 2014, les versions mono et stéréo de l'album étant contenues sur un seul CD.

Six morceaux étonnants ont été tirés de l'album britannique &ldquoRubber Soul&rdquo pour être inclus sur leur premier album de compilation officiel, à savoir &ldquoLes Beatles/1962-1966&rdquo (alias &ldquoL'album rouge&rdquo). La popularité de &ldquoIn My Life&rdquo s'était déjà imposée aux fans des Beatles en 1973, son inclusion dans ce double album sorti le 19 avril 1973 était donc une évidence. Le premier disque compact de cet album est sorti le 20 septembre 1993, "In My Life" étant également inclus dans le sampler promotionnel composite "Red Album / Blue Album" qui est sorti simultanément. Un "Red Album" remasterisé est ensuite sorti le 10 août 2010.

Alors qu'il avait l'habitude de construire des albums en double compilation, Capitol a sorti &ldquoChansons d'amour&rdquo le 21 octobre 1977. Huit des morceaux de cet ensemble étaient des répétitions de ce qui était inclus sur l'un des albums de compilation de 1973, dont l'un était &ldquoIn My Life.&rdquo Bien qu'un nouveau mixage stéréo officiel n'ait pas été fait à ce stade, les voix avaient été artificiellement placées plus près du centre des canaux sur cette version, ceci étant facilement accompli en déplaçant simplement le canal droit plus près du centre.

La première fois que l'album britannique original "Rubber Soul&rdquo a été rendu disponible aux États-Unis était le " Enregistrement principal d'origine " édition vinyle publiée par Mobile Fidelity Sound Lab en juin 1984. Cet album comprenait "In My Life" et a été préparé en utilisant la technologie de mastering à demi-vitesse à partir de la bande originale prêtée par EMI. Cette version de l'album n'a été disponible que pendant une courte période et est tout à fait à collectionner aujourd'hui.

George Martin a créé un nouveau mix stéréo de la chanson avec des voix plus centrées en 1986, ceci étant inclus sur le premier disque compact de &ldquoÂme en caoutchouc&rdquo le 30 avril 1987 et sur l'édition vinyle le 21 juillet 1987. Cet album, qui introduisait pour la première fois la séquence de quatorze titres de la sortie britannique en Amérique, a ensuite été remasterisé et réédité le 9 septembre 2009 en CD et le 13 novembre 2012 en vinyle.

&ldquoIn My Life&rdquo était naturellement inclus sur l'album &ldquoImaginez : John Lennon,&rdquo qui était la bande originale d'un film documentaire qui a vu le jour en 1988. L'album de la bande originale est sorti le 10 octobre 1988 et comprenait neuf chansons des Beatles, dont l'une d'entre elles.

Le 17 juillet 2001, Capitol a sorti un coffret de 6 CD intitulé "Produced By George Martin", qui était une vaste sélection de productions de George Martin tout au long de sa carrière. "In My Life" a été inclus sur "Disc Three (That Was The Decade That Was)."

Le 16 novembre 2004, Capitol a sorti le deuxième de sa série de coffrets CD des Beatles contenant les mixages stéréo et mono originaux des albums américains. Cet ensemble, intitulé &ldquoLes albums du Capitole, Vol. 2,&rdquo contient l'intégralité de l'album &ldquoRubber Soul&rdquo avec sa liste originale des morceaux américains. Bien que le mix mono original de &ldquoIn My Life&rdquo n'ait accidentellement pas été contenu lors du premier pressage du set, remplacé par un mix &ldquofold-down&rdquo du mix stéréo original, les différences sont si légères qu'il vaut à peine la peine d'être mentionné ici. Néanmoins, le vrai mix mono de 1965 peut être obtenu dans des pressages ultérieurs de cet ensemble.

Un autre endroit pour obtenir ce mélange est sur le coffret &ldquoLes Beatles en mono,&rdquo qui contient l'intégralité du catalogue mono des Beatles. Cet ensemble sorti le 9 septembre 2009 comprend également le mixage stéréo original de 1965 avec les voix entièrement panoramiques sur le canal droit, comme cela est inclus dans le coffret Capitol mentionné dans le paragraphe précédent.

En promotion du coffret 2014 "The US Albums", un CD sampler de 25 chansons a été fabriqué pour une sortie limitée le 21 janvier 2014, contenant le mix stéréo de "In My Life".

Spectacles en direct

Avec l'inclusion du solo de piano complexe de George Martin enregistré en double temps, &ldquoIn My Life&rdquo a toujours été considéré comme un morceau d'album sans aucune considération pour qu'il soit joué en direct.

Cependant, cela ne veut pas dire qu'il ne l'a jamais été. Étonnamment, George Harrison a pensé à élaborer une version de &ldquoIn My Life&rdquo et l'a interprétée avec son groupe lors de sa tournée nord-américaine de 1974. Son interprétation s'étend sur cinq minutes avec un jeu de guitare bluesy et un solo de clavier du membre du groupe Billy Preston. L'élément le plus remarquable ici, cependant, est sa fin du deuxième pont avec la ligne &ldquoDans ma vie j'aime Dieu plus,&rdquo qui a amené beaucoup à voir cette version avec beaucoup de dédain. À travers des cordes vocales rauques, George dédie la performance à ses anciens camarades de groupe avec les mots &ldquoQue Dieu bénisse John Lennon, Paul et Ringo.&rdquo

Bien que la nature collaborative exacte de &ldquoIn My Life&rdquo soit enveloppée d'une controverse qui ne sera probablement jamais entièrement résolue, la chanson en elle-même témoigne du véritable génie de l'équipe d'écriture Lennon / McCartney. À la fin de 1965, ils avaient sûrement parcouru un long chemin. Leurs premières expérimentations avec l'écriture de chansons ont peut-être été expliquées par George Martin, en disant "Ils ont volé sans vergogne des disques existants".

Cette opinion n'a jamais été plus vérifiée que par la chanson qui arrive à la 5e place du magazine Rolling Stone &ldquoLes 100 plus grandes chansons des Beatles&rdquo édition spéciale de 2010. Même 45 ans après sa sortie initiale, le respect pour &ldquoIn My Life&rdquo est monumental. Nous ne pouvons que nous attendre à ce que cela continue pendant de nombreuses années à venir.


Dans John ils font confiance

Dans la chaleur matinale sur une île tropicale à l'autre bout du monde par rapport aux États-Unis, plusieurs hommes à la peau foncée vêtus de ce qui ressemble à des uniformes de l'armée américaine apparaissent sur un monticule surplombant un village de huttes de bambou. On porte avec révérence Old Glory, plié avec précision pour ne révéler que les étoiles. Sur le commandement d'un sergent barbu, le drapeau est hissé sur un poteau taillé dans un grand tronc d'arbre. Alors que l'énorme bannière flotte au vent, des centaines de villageois qui regardent applaudissent et applaudissent.

Le chef Isaac Wan, un homme mince et barbu vêtu d'un costume bleu et d'une ceinture de cérémonie, conduit les hommes en uniforme vers un terrain découvert au milieu du village. Quelque 40 "G.I.’" aux pieds nus émergent soudainement de derrière les huttes pour plus d'acclamations, marchant d'un pas parfait et des rangs de deux anciens chefs Isaac. Ils portent des « fusils » en bambou sur leurs épaules, des pointes écarlates taillées pour représenter des baïonnettes sanglantes et arborent les lettres « USA » peintes en rouge sur leur poitrine et leur dos nus.

Nous sommes le 15 février, jour de John Frum, sur l'île isolée de Tanna, dans la nation du Pacifique Sud de Vanuatu. En ce jour le plus saint, des fidèles sont descendus de toute l'île dans le village de Lamakara pour honorer un messie américain fantomatique, John Frum. "John a promis qu'il nous apporterait des cargaisons d'avions et de cargaisons d'Amérique si nous le prions", me dit un ancien du village en saluant la bannière étoilée. “Radios, téléviseurs, camions, bateaux, montres, glacières, médicaments, Coca-Cola et bien d'autres choses merveilleuses.”

Le mouvement insulaire John Frum est un exemple classique de ce que les anthropologues ont appelé un « culte du fret », dont beaucoup ont pris naissance dans les villages du Pacifique Sud pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque des centaines de milliers de soldats américains ont afflué dans le îles vues du ciel et des mers. Comme l'explique l'anthropologue Kirk Huffman, qui a passé 17 ans au Vanuatu : « Vous obtenez des cultes du cargo lorsque le monde extérieur, avec toutes ses richesses matérielles, s'abat soudain sur des tribus indigènes éloignées. » Les habitants ne savent pas où se trouve le des étrangers et des fournitures sans fin viennent et soupçonnent donc qu'ils ont été invoqués par magie, envoyés du monde des esprits. Pour inciter les Américains à revenir après la guerre, les insulaires de toute la région ont construit des jetées et creusé des pistes d'atterrissage dans leurs champs. Ils ont prié pour que les bateaux et les avions sortent à nouveau de nulle part, emportant toutes sortes de trésors : des jeeps et des machines à laver, des radios et des motos, de la viande en conserve et des bonbons.

Mais les Américains vénérés ne sont jamais revenus, sauf sous forme de bave de touristes et de vétérans désireux de revisiter les îles lointaines où ils ont fait la guerre dans leur jeunesse. Et bien que presque tous les cultes du cargo aient disparu au fil des décennies, le mouvement John Frum a perduré, basé sur le culte d'un dieu américain qu'aucun homme sobre n'a jamais vu.

De nombreux Américains connaissent le Vanuatu grâce à la série de télé-réalité « Survivor », bien que les épisodes tournés là-bas aient à peine évoqué les merveilles naturelles spectaculaires de la nation insulaire mélanésienne et ses cultures fascinantes et séculaires. Situé entre les Fidji et la Nouvelle-Guinée, Vanuatu est une dispersion en forme de Y de plus de 80 îles, dont plusieurs comprennent des volcans actifs. Les îles abritaient autrefois de féroces guerriers, parmi lesquels des cannibales. De nombreux habitants vénèrent encore les sorciers du village, qui utilisent des pierres possédées par l'esprit dans des rituels magiques qui peuvent attirer un nouvel amant, engraisser un cochon ou tuer un ennemi.

Les Américains ayant une mémoire plus longue se souviennent du Vanuatu sous le nom des Nouvelles-Hébrides jusqu'à son indépendance de la domination coloniale britannique et française en 1980. Le livre de James Michener, Tales of the South Pacific, qui a donné naissance à la comédie musicale South Pacific, est né de ses expériences en tant que un marin américain dans les Nouvelles Hébrides pendant la Seconde Guerre mondiale.

Ma propre expérience dans le Pacifique Sud, à la recherche de John Frum et de ses fidèles, commence lorsque je monte à bord d'un petit avion dans la capitale du Vanuatu, Port-Vila. Quarante minutes plus tard, des récifs coralliens, des plages de sable et des collines verdoyantes annoncent l'île de Tanna, longue d'environ 20 miles et 16 miles à son point le plus large, avec une population d'environ 28 000 habitants. En montant dans une ancienne jeep pour me rendre à Lamakara, qui surplombe Sulphur Bay, j'attends que Jessel Niavia, le chauffeur, démarre le véhicule en rapprochant deux fils sortant d'un trou sous le tableau de bord.

Alors que la jeep gravit une pente raide, le sentier étroit coupant à travers la jungle dense et verdoyante d'arbres et de buissons, Jessel me dit qu'il est le beau-frère de l'un des dirigeants les plus importants de la secte, le Prophète. Fred—qui, ajoute-t-il fièrement, a ressuscité sa femme d'entre les morts il y a deux semaines.”

Lorsque nous atteignons la crête d'une colline, la terre devant nous s'effondre pour révéler Yasur, le volcan sacré de Tanna, à quelques kilomètres au sud, ses pentes recouvertes de cendres poussant le rivage de Sulphur Bay. De la fumée noire s'échappe de son cône. “‘Yasur’ signifie Dieu dans notre langue,” murmure Jessel. C'est la maison de John Frum.

« S'il est américain, pourquoi vit-il dans votre volcan ? Je me demande à haute voix.

« Demandez au chef Isaac », dit-il. “Il sait tout.”

Parsemant le chemin de terre se trouvent de petits villages où des femmes aux cheveux bouclés et en forme de bulle s'accroupissent sur des faisceaux de racines enduites de boue appelées kava, une espèce de poivrier et un stupéfiant moyen qui est la drogue traditionnelle de choix du Pacifique Sud. Les connaisseurs disent que le kava de Tanna est le plus fort de tous. Jessel achète un paquet de racines pour 500 vatu, environ 5 $. « Nous le boirons ce soir », dit-il avec un sourire.

D'aussi loin que les habitants de Tanna se souviennent, les hommes de l'île ont bu du kava au coucher du soleil chaque jour dans un endroit interdit aux femmes. Des missionnaires chrétiens, pour la plupart des presbytériens d'Écosse, ont mis un terme temporaire à la pratique au début du XXe siècle, interdisant également d'autres pratiques traditionnelles, ou « kastom », que les habitants suivaient fidèlement depuis des millénaires : danse, enveloppement du pénis et polygamie. Les missionnaires interdisaient aussi le travail et les divertissements le dimanche, les jurons et l'adultère. En l'absence d'une forte présence administrative coloniale, ils ont mis en place leurs propres tribunaux pour punir les malfaiteurs, les condamnant aux travaux forcés. Les Tannais ont bouilli sous les règles des missionnaires pendant trois décennies. Puis, John Frum est apparu.

La route descend en pente raide à travers une jungle plus humide jusqu'au rivage, autour du point de Yasur, où je resterai dans une hutte sur la plage. Alors que le soleil se couche au-delà des montagnes couvertes de forêts tropicales qui forment la colonne vertébrale de Tanna, le frère de Jessel, Daniel Yamyam, arrive pour me chercher. Il a les yeux flous et le sourire presque édenté d'un adepte du kava. Daniel était autrefois membre du Parlement du Vanuatu à Port-Vila, et ses électeurs comprenaient des partisans de John Frum de ce qui était alors le bastion du mouvement, Ipikil, sur la baie de soufre. « Je suis maintenant chrétien, mais comme la plupart des gens à Tanna, j'ai toujours John Frum dans mon cœur », dit-il. “Si nous continuons à prier John, il reviendra avec beaucoup de cargaison.”

Daniel me conduit jusqu'à son village nakamal, le terrain découvert où les hommes boivent du kava. Deux jeunes garçons se penchent sur les racines de kava que Jessel avait achetées, en mâchant des morceaux en une pulpe filandreuse. "Seuls les garçons circoncis qui n'ont jamais touché le corps d'une fille peuvent faire du kava", me dit Daniel. “Cela garantit que leurs mains ne sont pas sales.”

D'autres garçons mélangent de l'eau avec la pulpe et tordent le mélange à travers un chiffon, produisant un liquide d'apparence sale. Daniel me tend une demi-coquille de noix de coco remplie à ras bord. « Buvez-le d'un seul coup », murmure-t-il. Il a un goût vil, comme de l'eau boueuse. Quelques instants plus tard, ma bouche et ma langue s'engourdissent.

Les hommes se divisent en petits groupes ou s'assoient seuls, accroupis dans l'obscurité, se chuchotant ou perdus dans leurs pensées. Je rejette une deuxième coquille de mélange boueux et ma tête tire sur son amarre, cherchant à dériver dans la nuit.

Yasur gronde comme un tonnerre lointain, à quelques kilomètres au-dessus de la crête, et à travers les arbres, j'aperçois une lueur rouge étrange à son cône. En 1774, le capitaine James Cook a été attiré à terre par cette même lueur. Il a été le premier Européen à voir le volcan, mais les dirigeants locaux lui ont interdit de grimper jusqu'au cône parce que c'était tabou. Daniel m'assure que le tabou n'est plus appliqué. « Allez avec le chef Isaac », conseille-t-il. “Vous pouvez lui demander demain.”

Après avoir bu ma troisième coquille de kava, Daniel scrute mes yeux sans aucun doute vitreux. "Je ferais mieux de te ramener", dit-il. Au bord de la mer dans ma hutte, je danse au rythme des vagues en chancelant en essayant de cueillir la lune scintillante du ciel et de l'embrasser.

Le lendemain matin, je me rends à Lamakara pour parler au chef Isaac. Entouré d'un étrange paysage lunaire apocalyptique de cendres volcaniques, Yasur se profile derrière le village. Mais à seulement 1 184 pieds de haut, le volcan sacré n'a rien de la majesté, par exemple, du mont Fuji, sa forme trapue me rappelle un bouledogue pugnace qui monte la garde devant la maison de son maître. Mon chauffeur pointe le cône. « Haus blong John Frum », dit-il en anglais pidgin. C'est la maison de John Frum.

Dans le village, des dizaines de huttes de canne, certaines avec des toits de tôle rouillés, encerclent un terrain de danse cérémonial ouvert de cendres impactées et le monticule où flotte le drapeau américain chaque jour, flanqué des drapeaux beaucoup plus petits de Vanuatu, l'ancien dirigeant colonial de la France et du Aborigènes australiens, dont les villageois admirent l'effort pour l'égalité raciale. De toute évidence, John Frum n'est pas encore revenu avec sa cargaison promise parce que Lamakara est très pauvre en biens de consommation. Mais les hommes de l'île, enveloppés dans un tissu connu sous le nom de lave-lave, les femmes vêtues de grandes robes à fleurs et la plupart du temps des enfants aux pieds nus en T-shirts semblent en bonne santé et semblent heureux. Ce n'est pas une surprise : comme de nombreux villages côtiers du Pacifique Sud, c'est un endroit où les noix de coco tombent à vos côtés pendant que vous dormez. Les ignames, le taro, les ananas et autres fruits prospèrent dans le sol volcanique fertile, et des cochons dodus reniflent autour du village à la recherche de restes. De savoureuses chauves-souris frugivores s'accrochent à l'envers dans les arbres voisins.

Le chef Isaac, vêtu d'une chemise à col ouvert, d'un pantalon vert et de chaussures en tissu, m'accueille sur le monticule et me conduit dans une hutte derrière les mâts : le sanctuaire intérieur de John Frum, interdit à tous sauf aux hauts dirigeants de la secte et , semble-t-il, des visiteurs masculins de l'étranger. “Office me blonge,” dit-il avec un sourire alors que nous entrons.

La cabane est dominée par une table ronde affichant un petit drapeau américain sur un piédestal, un pygargue à tête blanche sculpté et des imitations d'uniformes militaires américains soigneusement pliés et placés en cercle, prêts à être utilisés le jour de John Frum dans un peu plus d'une semaine. Au-dessus, suspendu par de la vigne à une poutre, pend un globe, une hache de pierre et une paire de pierres vertes sculptées en cercles de la taille d'un dollar en argent. « Magie très puissante », dit le chef en désignant les pierres. “Les dieux les ont créés il y a longtemps.”

Écrit sur une paire de tableaux noirs est un plaidoyer que les adeptes de John Frum mènent une vie kastom et qu'ils s'abstiennent de violence les uns contre les autres. L'un des tableaux noirs porte une croix rouge à la craie, probablement copiée des ambulances militaires américaines et maintenant un symbole important pour le culte.

« John Frum est venu nous aider à retrouver nos coutumes traditionnelles, notre consommation de kava, notre danse, parce que les missionnaires et le gouvernement colonial détruisaient délibérément notre culture », dit le chef Isaac, son pidgin anglais traduit par Daniel.

« Mais si John Frum, un Américain, va vous apporter des produits modernes, en quoi cela correspond-il à son souhait que vous meniez une vie de kastom ? » Je demande.

“John est un esprit. Il sait tout », dit le chef, glissant au-delà de la contradiction avec l'aplomb d'un politicien habile. “Il est encore plus puissant que Jésus.”

“Oui, John vient très souvent de Yasur pour me conseiller, ou j'y vais pour parler avec John.”

“Alors pourquoi vit-il à Yasur ?”

“John se déplace d'Amérique à Yasur et vice-versa, descendant à travers le volcan et sous la mer.”
Quand je mentionne le prophète Fred, la colère éclate dans les yeux du chef Isaac. "C'est un diable", grogne-t-il. “Je ne parlerai pas de lui.”

Qu'en est-il de votre visite aux États-Unis en 1995 ? Je demande. Que pensez-vous du paradis sur terre de votre religion ? Il lève les mains en signe d'excuse. “J'ai beaucoup à faire aujourd'hui. Je vous en reparlerai une autre fois. En revenant à ma cabane, il me vient à l'esprit que j'ai oublié de lui demander de m'emmener au volcan.

Le chef Isaac et d'autres dirigeants locaux disent que John Frum est apparu pour la première fois une nuit à la fin des années 1930, après qu'un groupe d'anciens eut avalé de nombreuses coquilles de kava en prélude à la réception de messages du monde des esprits. « C'était un homme blanc qui parlait notre langue, mais il ne nous a pas dit qu'il était alors américain », explique le chef Kahuwya, chef du village de Yakel. John Frum leur a dit qu'il était venu les sauver des missionnaires et des fonctionnaires coloniaux. « John nous a dit que tous les habitants de Tanna devraient cesser de suivre les voies des hommes blancs », déclare le chef Kahuwya. “Il a dit que nous devrions jeter leur argent et leurs vêtements, retirer nos enfants de leurs écoles, arrêter d'aller à l'église et retourner vivre en tant que personnes kastom. Nous devrions boire du kava, adorer les pierres magiques et exécuter nos danses rituelles.”

Peut-être que les chefs, dans leurs rêveries de kava, ont en fait vécu une vision spontanée de John Frum. Ou peut-être que l'apparition a des racines plus pratiques. Il est possible que les dirigeants locaux aient conçu John Frum comme un puissant allié à la peau blanche dans la lutte contre les coloniaux, qui tentaient d'écraser une grande partie de la culture insulaire et de les pousser au christianisme. En fait, cette vision des origines du culte a gagné en crédibilité en 1949, lorsque l'administrateur de l'île, Alexander Rentoul, notant que « frum » est la prononciation tannaise de « balai », a écrit que l'objet du John Le mouvement Frum « devait balayer (ou balayer) les Blancs au large de l'île de Tanna. »

Quelle que soit la vérité, le message de John Frum a touché une corde sensible. Les villageois de Tanna ont commencé à jeter leur argent dans la mer et à tuer leurs cochons pour de grandes fêtes afin d'accueillir leur nouveau messie. Les autorités coloniales ont finalement riposté, arrêtant les dirigeants du mouvement, y compris le père du chef Isaac, le chef Nikiau. Ils ont été envoyés dans une prison à Port-Vila en 1941, leurs années suivantes derrière les barreaux leur valu le statut de premiers martyrs du mouvement John Frum.

Le culte a connu son plus grand essor l'année suivante, lorsque des milliers de troupes américaines ont été envoyées aux Nouvelles-Hébrides, où elles ont construit de grandes bases militaires à Port-Vila et sur l'île d'Espíritu Santo. Les bases comprenaient des hôpitaux, des pistes d'atterrissage, des jetées, des routes, des ponts et des huttes Quonset en tôle ondulée, dont beaucoup ont été érigées avec l'aide de plus d'un millier d'hommes recrutés comme ouvriers à Tanna et dans d'autres régions des Nouvelles-Hébrides, parmi lesquels le chef Kahuwya.

Là où vont les forces armées américaines, allez donc aux légendaires PX, avec leur approvisionnement apparemment sans fin de chocolat, de cigarettes et de Coca-Cola. Pour les hommes qui vivaient dans des huttes et cultivaient des ignames, la richesse des Américains était une révélation. Les troupes les payaient 25 cents par jour pour leur travail et distribuaient de généreuses quantités de cadeaux.

La munificence américaine a ébloui les hommes de Tanna, tout comme la vue de soldats à la peau foncée mangeant la même nourriture, portant les mêmes vêtements, vivant dans des huttes et des tentes similaires et utilisant le même équipement de haute technologie que les soldats blancs. « Dans la tradition, les gens s'assoient ensemble pour manger », explique Kirk Huffman, qui était le conservateur du centre culturel de Vanuatu pendant ses années dans la nation insulaire. “Les missionnaires avaient irrité les Tannais en mangeant toujours séparément.”

Il semble que c'est à ce moment-là que la légende de John Frum a pris un caractère résolument américain. « John Frum nous est apparu à Port-Vila », dit le chef Kahuwya, « et est resté avec nous tout au long de la guerre. John était vêtu de tout blanc, comme les hommes de la marine américaine, et c'est à ce moment-là que nous avons su que John était américain. John a dit qu'à la fin de la guerre, il était venu nous voir à Tanna avec des navires et des avions transportant beaucoup de marchandises, comme les Américains l'avaient fait à Vila.

En 1943, le commandement américain, préoccupé par la croissance du mouvement, envoya l'USS Écho à Tanna avec le major Samuel Patten à bord. Sa mission était de convaincre les partisans de John Frum que, comme le dit son rapport, "les forces américaines n'avaient aucun lien avec Jonfrum". Il a échoué. À la fin de la guerre, l'armée américaine a involontairement renforcé la légende de son approvisionnement sans fin de fret lorsqu'elle a passé au bulldozer des tonnes d'équipements, de camions, de jeeps, de moteurs d'avion et de fournitures au large de la côte d'Espéron Santo. Pendant six décennies dans les bas-fonds, le corail et le sable ont obscurci une grande partie de la tombe aqueuse des excédents de guerre, mais les plongeurs en apnée peuvent toujours voir des pneus, des bulldozers et même des bouteilles de Coca pleines. Les habitants ont ironiquement nommé l'endroit Million Dollar Point.

Après la guerre, lorsqu'ils sont rentrés de Port-Vila dans leurs huttes, les hommes de Tanna étaient convaincus que John Frum les rejoindrait bientôt, et ont piraté une piste d'atterrissage primitive de la jungle dans le nord de l'île pour tenter les avions américains attendus. du ciel. À travers le Pacifique Sud, des milliers d'autres adeptes du culte du fret ont commencé à concevoir des plans similaires, allant même jusqu'à construire des tours de contrôle en bambou enfilées de cordes et d'antennes en bambou pour guider les avions. En 1964, un culte du cargo sur l'île de New Hanover en Papouasie-Nouvelle-Guinée a offert au gouvernement américain 1 000 $ pour que Lyndon Johnson vienne et soit leur chef suprême. Mais au fur et à mesure que les années passaient avec des cieux et des mers vides, presque tous les cultes du cargo ont disparu, les espoirs des fidèles se sont brisés.

A Sulphur Bay, les fidèles n'ont jamais faibli. Chaque vendredi après-midi, des centaines de croyants traversent la plaine de cendres sous Yasur, venant à Lamaraka des villages de Tanna. Après que le soleil se soit couché et que les hommes aient bu du kava, la congrégation se rassemble dans et autour d'une hutte ouverte sur le terrain de cérémonie. Alors que la lumière des lampes à pétrole scintille sur leurs visages, ils grattent des guitares et des ukulélés faits maison, chantant des hymnes des prophéties de John Frum et des luttes des martyrs de la secte. Beaucoup portent le même plaidoyer : « Nous vous attendons dans notre village, John. Quand viens-tu avec toute la cargaison que tu nous as promise ?”

Entre les harmonies parfaites des chanteurs se glisse un désir mélanésien aigu qui aiguise chaque hymne avec une pointe de nostalgie. Je cherche en vain le chef Isaac jusqu'à ce qu'un homme de la secte chuchote qu'après avoir bu du kava, Isaac a disparu parmi les arbres sombres pour parler à John Frum. Le service hebdomadaire ne se termine que lorsque le soleil se lève, à sept heures le lendemain matin.

Le mouvement John Frum suit le modèle classique des nouvelles religions, déclare l'anthropologue Huffman. Les schismes séparent des groupes de fidèles du corps principal, alors que les apostats proclament une nouvelle vision conduisant à des variantes sacrilèges sur les croyances fondamentales de la croyance.

Ce qui explique le Prophète Fred, dont le village, Ipikil, est niché sur Sulphur Bay. Daniel dit que le prophète Fred s'est séparé du chef Isaac en 1999 et a conduit la moitié des villages de croyants dans sa nouvelle version du culte de John Frum. "Il a eu une vision en travaillant sur un bateau de pêche coréen dans l'océan", dit Daniel. « La lumière de Dieu est descendue sur lui, et Dieu lui a dit de rentrer à la maison et de prêcher une nouvelle voie. » Les gens croyaient que Fred pouvait parler à Dieu après avoir prédit, il y a six ans, que le lac Siwi briserait sa nature barrage et inondation dans l'océan. « Les personnes vivant autour du lac [sur la plage sous le volcan] ont déménagé ailleurs », explique Daniel. “Six mois plus tard, c'est arrivé.”

Puis, il y a près de deux ans, la rivalité du prophète Fred avec le chef Isaac a explosé. Plus de 400 jeunes hommes des camps concurrents se sont affrontés avec des haches, des arcs et des flèches et des frondes, incendiant une église au toit de chaume et plusieurs maisons. Vingt-cinq hommes ont été grièvement blessés. "Ils voulaient nous tuer, et nous voulions les tuer", a déclaré un loyaliste du chef Isaac.

Quelques jours avant la célébration annuelle de John Frum de Lamakara, je visite le village du prophète Fred pour constater qu'il est allé à la pointe nord de l'île pour prêcher, probablement pour éviter les célébrations. Au lieu de cela, je rencontre son ecclésiastique principal, Maliwan Tarawai, un pasteur aux pieds nus portant une Bible bien maniée. « Le prophète Fred a appelé son mouvement Unité, et il a tissé la kastom, le christianisme et John Frum ensemble », me dit Tarawai. Le messie américain n'est guère plus qu'une figure de proue dans la version Fred, qui interdit l'affichage de drapeaux étrangers, y compris Old Glory, et interdit toute discussion sur le fret.

Toute la matinée, je regarde des chanteurs avec un groupe de cordes chanter des hymnes sur le prophète Fred tandis que plusieurs femmes aux yeux sauvages trébuchent dans ce qui semble être une transe. Ils guérissent par la foi les malades en serrant la zone malade du corps et en priant silencieusement les cieux, chassant les démons. De temps en temps, ils s'arrêtent pour agripper le ciel de leurs doigts osseux. "Ils font ça tous les mercredis, notre jour saint", explique Tarawai. “Le Saint-Esprit les a possédés, et ils tirent leurs pouvoirs de guérison de lui et du soleil.”

De retour à Lamakara, le jour de John Frum se lève chaud et collant. Après le lever du drapeau, le chef Isaac et d'autres chefs de culte sont assis sur des bancs ombragés par des feuilles de palmier alors que plusieurs centaines de fidèles exécutent à tour de rôle des danses traditionnelles ou des improvisations modernes. Des hommes et des garçons vêtus de jupes en écorce filandreuse marchent sur le terrain de danse en tenant des répliques de scies à chaîne taillées dans les branches de la jungle. Alors qu'ils frappent des pieds au rythme de leur propre chant, ils coupent l'air avec les tronçonneuses imaginaires. "Nous sommes venus d'Amérique pour abattre tous les arbres", chantent-ils, "pour que nous puissions construire des usines".

La veille de mon départ de Tanna, le chef Isaac et moi avons finalement gravi les pentes glissantes de cendres de Yasur, le sol tremblant environ toutes les dix minutes à chaque explosion tonitruante depuis l'intérieur du cratère du volcan. Chaque bourdonnement d'oreille envoie un énorme panache de gaz potentiellement mortel haut dans le ciel, un mélange de dioxyde de soufre, de dioxyde de carbone et de chlorure d'hydrogène.

L'obscurité apporte un spectacle spectaculaire, alors que la lave en fusion explose des évents du cratère, tirant dans les airs comme des bougies romaines géantes. Deux personnes ont été tuées ici par des bombes de lave ou des morceaux de roche volcanique qui tombent en 1994. Le chef Isaac me conduit à un endroit sur le bord en ruine, loin de la dérive du gaz dangereux mais toujours à portée du bombes à incandescence, le volcan imprévisible éclate dans les airs.

Le chef me raconte son voyage aux États-Unis en 1995, et montre des photos fanées de lui à Los Angeles, devant la Maison Blanche et avec un sergent instructeur dans une base militaire. Il dit qu'il a été étonné par la richesse des États-Unis, mais surpris et attristé par la pauvreté qu'il a vue parmi les Américains blancs et noirs, et par la prévalence des armes à feu, de la drogue et de la pollution. Il dit qu'il est rentré heureux à Sulphur Bay. "Les Américains ne montrent jamais de visage souriant", ajoute-t-il, "et il semble donc qu'ils pensent toujours que la mort n'est jamais loin."

Quand je demande ce qu'il veut le plus de l'Amérique, la simplicité de sa demande m'émeut : “Un moteur hors-bord de 25 chevaux pour le bateau du village. Ensuite, nous pourrons attraper beaucoup de poissons dans la mer et les vendre au marché afin que mon peuple puisse avoir une vie meilleure.”

Alors que nous regardons dans la fougueuse maison de John Frum à Tanna, je lui rappelle que non seulement il n'a pas de moteur hors-bord d'Amérique, mais que toutes les autres prières des fidèles ont été, jusqu'à présent, vaines. « John vous a promis beaucoup de marchandises il y a plus de 60 ans, et aucune n'est arrivée », précise-je. “Alors pourquoi gardez-vous foi en lui? Pourquoi crois-tu encore en lui ?”

Le chef Isaac me lance un regard amusé. « Vous, les chrétiens, attendez 2000 ans que Jésus revienne sur terre », dit-il, « et vous n'avez pas perdu espoir. »


Extrait : Elton John raconte son histoire de drag et se souvient du « vrai punk rebelle » divin

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Dans le prochain livre The Queer Bible, le mannequin, éditeur et activiste queer Jack Guinness compile une collection d'essais célébrant l'histoire et la culture LGBTQ à travers les yeux de certaines des voix les plus éminentes de l'art. En plus des essais de Tan France, Gus Kenworthy, Paris Lees, Russell Tovey et Munroe Bergdorf, Elton John parle de son amour de longue date pour la muse de John Waters Divine, la « reine de la saleté » qui a fait des impressions indélébiles dans des films tels que Flamants roses et Problème féminin.

Dans cet extrait exclusif, Guinness discute de la genèse du livre et John détaille comment son amour pour Divine s'est croisé avec sa propre passion pour le drag.

Jack Guinness sur La Bible queer

Il y a une belle tradition dans le monde du Drag, où les &lsquoMothers&rsquo initient les ingénues Drag Queens dans le monde queer, instruisant la prochaine génération dans la culture LGBQTIA. Je voulais pouvoir créer une ressource qui fasse cela pour l'ensemble de la communauté queer et ses alliés, et ainsi La Bible queer est né. Le livre est un recueil d'icônes LGBTQIA écrivant sur quelqu'un qui les a aidés à devenir la personne qu'ils sont aujourd'hui : en les aidant à adopter leur sexualité ou leur identité de genre, ou en inspirant leur carrière. Le livre présente des contributeurs de nombreux horizons, notamment la musique, l'activisme, le sport, la littérature, la comédie, l'art et le cinéma.

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Elton John est ma fée marraine – Je l'ai rencontré lui et David à quelques reprises, mais jamais dans mes rêves les plus fous je n'ai pensé qu'ils acceptaient de faire partie de La Bible queer. C'est un témoignage de leur générosité et de leur passion pour le partage de l'histoire queer avec les jeunes générations qu'ils ont rejoint la liste des contributeurs incroyables. La joie et la passion d'Elton lorsqu'il parle de l'icône qu'il a choisie, la légende du drag Divine, affirme la vie.

L'épidémie de sida a abattu une génération entière à son apogée et a volé la vie de tant de jeunes hommes et femmes prometteurs qui auraient continué à éduquer la prochaine génération sur la culture queer. Le travail inlassable d'Elton et David avec la Fondation Elton John AIDS a permis de collecter des millions de personnes, de plaider en faveur du changement et de sauver d'innombrables vies dans le monde entier grâce à l'éducation, la prévention et le traitement. C'est un honneur de les voir figurer dans le livre.

En éditant les essais, j'ai compris qu'il ne peut jamais y avoir un seul type d'expérience queer. Peu importe notre orientation sexuelle ou notre sexe, notre point de vue est singulier, bien que nos épreuves, tribulations et triomphes puissent être communs. Le voyage de la découverte de soi est universel. Nous devons tous rompre avec les attentes des autres et de nous-mêmes pour vivre les versions les plus authentiques de nous-mêmes.

Mon voyage, vers un moi authentique – ça alors, j'ai l'air d'une Oprah-magasin à la livre – – a été tumultueux. J'ai passé des années en tant que mannequin masculin à vendre un certain type de masculinité. De nombreux agents de mannequins m'ont dit de « boucher », peu importe ce que cela signifie. J'ai contrôlé mes manières en essayant de ne pas paraître trop féminine, en adoptant une "veste droite" comme l'appelle Matthew Todd dans son livre fantastique du même nom. Dans mon essai en La Bible queer – consacré à RuPaul bien sûr – Je décris cet acte comme effectuer une traînée oppressante à l'opposé de tout ce que la vraie traînée représente. Je défiais, explorais ou jouais avec le genre, je me cachais derrière ses formes socialement acceptées les plus restrictives. J'étais complice de mon propre emprisonnement, piégé dans une prison de masculinité toxique.

Tant de personnes, homosexuelles ou hétérosexuelles, cis ou transgenres, se sentent coincées dans l'exercice des rôles de genre. Quelle existence misérable. Un jour, j'en ai eu assez. Cela me rendait malade. J'ai perdu une quantité dangereuse de poids et mon anxiété devenait ingérable. Vivre un mensonge a un coût terrible. Lorsque j'ai finalement participé à une entrevue, quelques clients ont cessé de me réserver, mais Levis m'a ensuite proposé dans leur campagne Pride. Ils m'ont réservé pour la chose même qu'on m'a dit de cacher. C'était complètement écrasant. Les choses ont changé si rapidement, il y a tellement de modèles sortis et fiers maintenant avec des carrières brillamment réussies – cela me fait tellement plaisir de voir!

En ces temps politiquement instables, avec les droits LGBTQIA menacés dans le monde entier, ce livre ne pourrait pas être plus nécessaire. Cela n'a jamais été aussi clair pour moi que lorsqu'un de nos contributeurs a été violemment agressé dans un crime de haine homophobe. Nos contributeurs trans doivent faire face à d'horribles attaques quotidiennes en ligne et dans la presse. je vois La Bible queer comme une plate-forme pour élever, célébrer et amplifier les voix de notre communauté. En tant qu'homme blanc cis, je bénéficie de tant de privilèges immérités et je suis si heureux que cette collection éclaire les membres de notre communauté qui, si souvent, ne reçoivent pas l'attention qu'ils méritent. J'espère que l'éventail des voix et les histoires variées, partagées, témoignent de la richesse et de la diversité de notre communauté queer mondiale.

Ces beaux essais m'ont tellement appris – Graham Norton&rsquos vous fera rire et pleurer, Tan France vous inspirera, la fondatrice de Black Pride Lady Phyll vous émeut profondément, les mots de Munroe Bergdorf vous inciteront à l'activisme, le mannequin Hanne Gaby Odiele éduquer, Mae Martin vous mettra au défi de remettre en question les limites et de vivre une vie plus libre.Chaque pièce et l'illustration qui l'accompagne ouvriront de nouveaux mondes. Toutes nos vies sont plus riches grâce aux œuvres d'individus queer, et la lecture de ce livre mettra en lumière l'impact de ces figures queer sur le façonnement du monde qui nous entoure. Nous nous tenons sur les épaules de géants. Il est temps d'apprendre leurs noms.

Elton John sur Divine

La toute première fois que j'ai vu Flamants roses, je suis tombé amoureux de Divine. Le film s'ouvre sur un plan de sa maison mobile, entourée d'ornements de jardin kitsch. Divine se cache avec sa famille inadaptée parce que les tabloïds l'ont surnommée la "personne la plus sale du monde". J'ai ressenti une connexion immédiate. D'abord parce qu'elle était si drôle. Deuxièmement, il n'y a pas beaucoup d'êtres humains comme Divine, un véritable rebelle punk par excellence.

Divine a été baptisé Harris Glenn Milstead mais était mieux connu sous le nom de Glenn. Il a grandi à Baltimore dans les années cinquante, est devenu majeur dans les années soixante et s'est lié d'amitié avec son compatriote John Waters, avec qui il a développé son personnage de drag, une reine de la saleté plus grande que nature, Divine. Flamants roses était un exercice de mauvais goût exquis et délibéré. Il a délibérément révolté le public partout, parsemé de cannibalisme, de bestialité et de fétichisme des pieds. Le monde et moi n'avions jamais rien vu de tel. Il a été interdit dans de nombreux pays, et a donc bien sûr acquis un statut de classique culte instantané. Divine a muté en une star internationale, continuant à faire des films avec Waters.

Ma relation avec le drag a été une histoire d'amour tout au long de ma vie. La première fois que j'ai vu quelqu'un en drag, c'était au début des années 70. Mon manager, John Reid &ndash également la première personne avec qui j'ai couché &ndash m'a emmené au club Danny La Rue&rsquos à Londres. J'étais un homosexuel très protégé à l'époque et je ne connaissais pas grand-chose à ce genre de choses. Mais instruit sur le genre de campness séquestré sur Radio 4, comme Kenneth Williams, j'avais faim de tout. Je n'avais aucune idée de l'existence de vraies drag queens jusqu'à ce que cette visite ouvre le bal.

J'ai rapidement développé des favoris. Lee Sutton à la Vauxhall Tavern Regina Fong au Black Cap à Camden, avec qui j'allais d'ailleurs comparaître plus tard lors d'une soirée-bénéfice à Stonewall. Le glamour de la drague était lié à quelque chose au plus profond de moi. Je me souviens de la première fois où je me suis habillé en drag en privé, mais cela s'est vite transformé en une habitude publique et à ce jour comprend certains de mes souvenirs les plus heureux.

S'il y avait une chance de traîner, je la prendrais. J'ai loué une maison à Saint-Tropez en vacances avec mon ami Tony King, qui s'est occupé de moi tout au long de ma carrière. La première fois que j'ai rencontré John Lennon &ndash, un autre des chefs d'accusation désignés par Tony &ndash était sur un tournage vidéo pour le Jeux d'esprit album où Tony était en pleine traînée en tant que reine. Alors, Tony et moi avons décidé d'organiser une soirée drag à Saint-Tropez. Le lendemain, j'ai emmené d'autres personnes en traînée et j'ai pris des photos en privé au bord de la piscine sur le plongeoir. À notre insu, il y avait des paparazzis dans les buissons et les photos ont fini par être placardées partout Paris Match la semaine prochaine. Une autre fois, à Hawaï, je suis descendu dîner au Four Seasons en pleine traînée, ressemblant à Audrey Hepburn. Je suis apparu sur le devant de Richard Avedon&rsquos Versace livre dans une robe à paillettes. Je peux prétendre raisonnablement être une vraie cover-girl, chérie. J'ai payé mes frais de drague.

“Désigner quelqu'un avec un nom de drag était ma façon de lui dire que je l'aimais.”

Quand j'ai révélé mon homosexualité et rencontré John Reid, il avait tellement d'amis et d'employés homosexuels qu'il m'a semblé naturel de se donner des noms de dragsters. D'une certaine manière, désigner quelqu'un avec un nom de drag était ma façon de lui dire que je l'aimais : le drag est un sport collectif et j'aime impliquer tout le monde. Tony est devenu &lsquoJoy&rsquo et je suis devenu &lsquoSharon&rsquo, parce que j'étais tellement commun. Rod Stewart a toujours été &lsquoPhyllis&rsquo. Freddie Mercury est devenu &lsquoMelina&rsquo après Melina Mercouri, l'actrice et chanteuse grecque. C'était un vrai Melina, je peux vous l'assurer. John Lennon est devenu &lsquoCarol Dakota&rsquo après son immeuble new-yorkais, le Dakota. Si vous pouvez trouver le nom correct, vous allez d'abord au nom de famille et vous le calculez à partir de là. Tout le monde n'a pas de nom de drag. Mais tous mes amis les plus chers en ont légué un.

C'est une joie rare d'aimer l'art, de rencontrer l'artiste et de l'aimer aussi. Et c'est ce qui s'est passé quand j'ai rencontré Divine et une amitié s'est épanouie. Les soirées en ville avec Freddie Mercury et Divvy ont suivi un certain rythme. Divine appelait, sa voix rauque et chantante faisant presque rimer ses mots, « Puis-je venir fumer un joint ? » Il le ferait, puis nous sortions dîner. Divvy était si agréable d'être avec. C'était un personnage très doux, rien d'aussi flamboyant que son personnage de film. Là encore, beaucoup d'interprètes ne sont pas&rsquot. Moi non plus. C'est sur scène et à l'écran qu'il s'est exprimé, son alter ego hurlant de sortir. Il voulait juste être lui-même.

C'est exactement qui j'étais quand j'ai commencé à porter les costumes et les tenues de scène flamboyantes qui deviendraient synonymes d'Elton John. Dans mes spectacles, j'étais toujours coincé derrière un piano, donc les tenues devaient compter. Je me suis tourné vers des gens comme Liberace, vers tous ceux qui avaient cette essence de glamour en eux et n'avaient pas peur de la laisser sortir. Les artistes du drag interprètent le genre dans des expressions exagérées, ce qui était exactement ce que je voulais faire. J'ai vécu ma vie de manière si ludique et excessive dans la vingtaine et la trentaine parce que je n'avais jamais eu le courage de la vivre pendant mon adolescence. Comme Divvy, j'ai grandi dans les années cinquante, une époque conservatrice. Je ne connaissais rien au sexe et j'avais le droit de porter les vêtements que je voulais. L'enfance de Glenn a été similaire à cet égard, et je pouvais voir que l'esprit Divin était très proche du mien.

C'est une joie rare d'aimer l'art, de rencontrer l'artiste et de l'aimer aussi. Et c'est ce qui s'est passé lorsque j'ai rencontré Divine et qu'une amitié s'est épanouie.”

Pour nous deux, dès que nous avons pu, nous avons fait irruption sur la scène. Garçon, avons-nous rattrapé le temps perdu. En 1976, j'ai invité Divvy sur scène à jouer avec moi pour un rappel au Madison Square Garden. Avec le recul, j'aurais peut-être dû avertir mon groupe en premier. Encore une star culte sous la direction de Waters & rsquo, confinée aux extrêmes de l'art et essai, ils n'avaient aucune idée de qui était Divine. Je me suis assis à mon piano et j'ai regardé avec émerveillement alors qu'elle montait les escaliers jusqu'à la scène dans une incroyable robe en aluminium. L'un de ses talons s'est cassé dans les escaliers, mais bien sûr, elle l'a stylé en criant dans son micro : « Oh putain, mon talon vient de se casser ! ça?” sur les visages du groupe. Ils n'en avaient absolument aucune idée. Ce soir-là, il n'y avait que moi et Divvy qui s'amusaient sur scène devant des milliers de personnes.

Divvy a créé un précédent à cette émission. Plus tard dans la nuit de ma tournée, je suis montée sur scène en tant que Tina Turner, en tenue complète de “What&rsquos Love Got To Do With It”. Jupe, perruque, tout. Je n'en ai pas parlé à mon groupe et je viens d'arriver sur scène, je me suis assis et personne ne savait qui j'étais jusqu'à ce que je commence à jouer.

Elton John avec Divine dans les années 1970.

Robin Platzer/La collection d'images LIFE/Getty Images

La scène des clubs new-yorkais dans les années 70 était incroyable. Tout était question de musique. Crisco Disco, Le Jardin et 12 West étaient fabuleux, même si une nuit, Crisco Disco a refusé l'entrée à Divvy et moi. Nous sommes sortis pour un bon dîner et avons tous deux volé des cendriers au restaurant. Nous sommes arrivés à Crisco Disco, Divine dans un caftan, moi dans une tenue colorée et scandaleuse. Le portier a crié : « Qu'est-ce que vous pensez que c'est ? Putain d'Halloween ? Vous n'êtes pas venu ici comme ça. Et Divine a crié, "Va te faire foutre" exactement à la manière de Dawn Davenport dans Problème féminin et nous avons tous les deux jeté et fracassé nos cendriers et nous nous sommes dirigés vers 12 ouest pour danser toute la nuit.

Divine et moi avons certainement partagé des comportements compulsifs. Je comprends parfaitement où Divvy s'est retrouvé. J'étais tout aussi avide de mes addictions qu'il l'était des siennes. Heureusement, cela ne m'a pas tué parce que j'ai vu la lumière. Pour Divvy, manger est devenu tellement incontrôlable qu'il est devenu très malsain. J'ai pris de la drogue tout le temps et j'ai eu de la chance dans le sens où j'ai travaillé, souvent sur la route. Si la drogue m'avait empêché de tourner, je serais mort maintenant. Il y a eu des périodes où je suis resté abstinent, mais je suis toujours revenu à la drogue. Je suis finalement devenu abstinent pour de bon en 1990. C'est différent pour tout le monde. Autant j'aimais Divvy, autant je peux vous dire ce qui se passait en lui.

Divine est décédé d'une crise cardiaque en 1988. C'était la nuit avant le début du tournage d'un rôle dans la sitcom Marié et hellip avec enfants. Divvy était sur le point de réaliser enfin son rêve de jouer le rôle de Glenn, comme lui-même, par drague dans un rôle majeur à la télévision.

“Pour moi, la mort de Glenn se sentira toujours liée au pic de l'épidémie de sida.”

Pour moi, la mort de Glenn sera toujours liée au pic de l'épidémie de sida. Ce n'est qu'une coïncidence du moment, au plus fort de la pandémie. Sa vie et sa carrière ont été écourtées juste au moment où il faisait son entrée dans le grand public, à la veille de son acceptation en tant que Glenn. Ce sentiment de vies écourtées, abrégées au moment précis où elles s'épanouissaient, était monnaie courante. C'était en même temps déchirant. Dans les années 80, nous avons perdu toute une génération de jeunes homosexuels à leur apogée. Ce fut une période de perte intense, horrible à la fois pour moi personnellement et pour la communauté gay dans son ensemble. Je perdais deux ou trois personnes par semaine et c'était tellement écrasant. Personne ne se souciait de ce qui se passait. La presse a qualifié le SIDA de "peste gay", comme si nous l'avions causé. C'était foutrement effrayant.

Divine était le meilleur d'entre nous. Il était si courageux, unique et sans peur. Il riait face à une société conservatrice qui le ridiculisait et le rejetait. Mais Divvy a intériorisé une grande partie de ce traumatisme et de cette douleur et cela a certainement conduit à sa mort prématurée. C'est pourquoi nous devons protéger la prochaine génération de personnes LGBTQ +, en particulier celles qui remettent en question les normes de genre, afin qu'elles puissent avoir une vie longue, heureuse et brillante, en vivant comme elles le souhaitent, en disant « Va te faire foutre » à tous les l'hypocrisie, la peur et la honte sont tellement ancrées dans la société dominante.

“Divine était le meilleur d'entre nous. Il était si courageux, unique et sans peur. Il a ri face à une société conservatrice qui l'a ridiculisé et rejeté.”

j'ai revu Problème féminin il y a environ un mois avec mon mari David et j'ai été complètement bouleversé par son avance sur son temps. Divine était un rayon de soleil. Et aujourd'hui, je vois tellement de drag queens se produire, et des activistes non binaires et transgenres faire les choses les plus incroyablement courageuses. Ils sont les pionniers, et nous devons les applaudir et les soutenir. C'est ce que fait la Elton John AIDS Foundation.

Nous voulons que les gens chassés par la société, les gens que John Waters a aimés et défendus, sachent ce qu'ils valent. “Personne n'est laissé pour compte” est notre devise, et c'est la raison d'être de ma vie. Quoi que vous ayez traversé, quoi que vous ayez fait, tout le monde mérite la rédemption. L'intrépidité divine m'inspire encore aujourd'hui. L'esprit Divvy & rsquos s'attardera pour toujours. Glenn a été une leçon pour nous tous.

De LA BIBLE QUEER : ESSAIS édités par Jack Guinness. Copyright 2021 &copier Elton John. À paraître le 15 juin 2021 chez Dey Street Books, une empreinte de HarperCollins Publishers. Réimprimé avec autorisation.


Cleveland rock 'n' roll repères qui ont marqué l'histoire: une visite (photos)

CLEVELAND, Ohio -- Certains endroits ont survécu, ont résisté aux intempéries et ont résisté. Certains s'attardent à attendre une nouvelle vie. D'autres ont été effacés par le temps, la négligence et une boule de démolition.

Mais ils ont tous quelque chose à dire sur le rôle de Cleveland dans l'histoire du rock'n'roll.

C'est, voyez-vous, une visite des fantômes autant qu'un voyage dans le temps.

Il existe d'innombrables rappels des jours de gloire musicale de Cleveland dans la ville.

Histoire de John Petkovic, The Plain Dealer

John Petkovic, le marchand ordinaire

Histoire de rock 'n' roll racontée par des fantômes

L'église où Bobby Womack a rencontré Sam Cooke. Le bâtiment où le rock'n'roll a été baptisé par Alan Freed et Leo Mintz. Le club où Green Day a joué pour 100 $.

Même les terrains vagues qui abritaient autrefois les clubs les plus influents et les spectacles légendaires de Cleveland sont révélateurs : ils révèlent les parties de la ville qui ont joué un rôle essentiel dans la transformation de Cleveland en un foyer de musique. (Photo du responsable des réservations d'Euclid Tavern, Derek Hess, le calendrier des réservations montrant la nuit de 1992 lorsque Green Day y a joué pour 100 $)

John Petkovic, le marchand ordinaire

Des lieux de Cleveland qui rappellent la musique et la gloire passée

Ils racontent également la véritable histoire du rock'n'roll - une forme d'art éphémère où des moments spéciaux apparaissent à l'improviste pour disparaître à nouveau. Les mélodies et les souvenirs restent les bâtiments périssent souvent.

Voici 21 lieux qui rappellent la gloire passée et la musique qui l'a faite… (Photo du bâtiment qui abritait autrefois Record Rendezvous par John Petkovic, The Plain Dealer)

John Petkovic, le marchand ordinaire

Stade municipal de Cleveland, 1085 West Third Street, Cleveland

Le mammouth d'environ 1931 sur le lac abritait les Indiens et les Browns. Il est entré dans l'histoire de la musique le 14 août 1966, lorsque les Beatles ont joué à 24 646. Les Fab Four ont joué le premier concert au stade, mais c'était loin d'être le dernier. Dans les années 1970, un certain nombre de spectacles «World Series of Rock» mettant en vedette des groupes tels que Aerosmith, les Rolling Stones et Pink Floyd ont rempli l'endroit (le spectacle des 78 Stones a attiré plus de 82 000 fans). Le joint a accueilli plusieurs grands spectacles – les Who, Michael Jackson, Bruce Springsteen et U2 – avant d'être démoli en 1996. Il a accueilli un dernier concert, le 2 septembre 1995, qui a réuni Bob Dylan, Prince, Aretha Franklin, les Kinks, Pretenders, Johnny Cash et Neil Young pour célébrer l'ouverture du Rock and Roll Hall of Fame. (Photo du concert des Rolling Stones "Tour of the Americas❵" au Cleveland Municipal Stadium -- 14 juin 1975 -- par Robert Dorksen, The Plain Dealer)


J'ai découvert l'art visuel du musicien de métal John Dyer Baizley l'année dernière. J'ai vu un t-shirt de groupe qui était si incroyablement beau qu'il m'a fait m'arrêter net. La chemise, publicitaire du groupe punk/metal norvégien Kvelertak, représente des femmes entrelacées et un hibou avec des contours à l'encre noire et de délicats dégradés d'aquarelle. L'œuvre rappelait le style de l'artiste lithographe Art Nouveau du XIXe siècle, Alphonse Mucha, et comprenait des femmes qui semblaient sortir des peintures baroques du XVIIe siècle. Des animaux et des formes végétales aux détails complexes, entrelacés comme des nœuds celtiques, ont écouté les mythologies anciennes. L'artiste John Dyer Baizley est en train de créer certaines des couvertures d'albums les plus fascinantes de la musique d'aujourd'hui.

Baizley est le chanteur et guitariste rythmique du groupe de metal américain Baroness. Son art et sa musique sont intimement liés, à la fois informatifs et publicitaires l'un pour l'autre. Au cours des dernières années, l'art de Baizley et la musique de la baronne sont devenus cultes. En plus des œuvres d'art créées par Baizley pour sa propre musique, il a également créé des couvertures d'albums ornées pour des artistes tels que Skeletonwitch, Kvelertak, Flight of the Conchords et Gillian Welch.

Le samedi 5 mai, je me suis assis avec Baizley sous le porche de la House of Blues Sunset Strip, environ deux heures avant que son groupe ne joue un set d'ouverture passionné pour le groupe de metal suédois Meshuggah. Baizley, un artiste charismatique et réfléchi, m'a parlé du processus de création de son art visuel et de sa musique. La baronne a sorti deux disques, le Album rouge et le Disque bleu, et s'apprête à sortir leur troisième en juillet : un double album intitulé Jaune et vert. Baizley utilise de l'encre et de l'aquarelle pour créer ses compositions complexes à base de figures chargées d'un symbolisme élaboré. L'art de Baizley est influencé par des artistes baroques comme le Caravage, la mythologie classique occidentale, les écrits de Joseph Campbell et les théories du subconscient de Carl Jung.

Dans notre interview, Baizley m'a décrit comment il croit en la renaissance de l'art de l'album vinyle. Chacune des sorties d'album de Baroness est mieux vécue sur vinyle, à la fois dans le son et dans leurs visuels. L'art est spécifiquement créé à la taille d'une pochette de disque vinyle et les albums sont pressés dans des vinyles colorés, qui se coordonnent avec les thèmes de couleur de chaque album.

Sur le plan personnel, Baizley a décrit avoir fait des sacrifices et fait face à des obstacles dans la poursuite de sa carrière artistique et musicale, un peu comme ce que le leader d'Opeth Mikael Åkerfeldt a exprimé dans ma dernière interview. Åkerfeldt et Baizley ont tous deux démontré qu'il est possible de créer une carrière qui vous permette de créer exactement le type d'art que vous souhaitez, si vous n'abandonnez pas votre vision. À la fin de mon entretien, je suis ressorti inspiré par le dévouement et l'engagement de Baizley dans son cheminement dans la vie.

John Dyer Baizley s'entretient avec Joy Shannon, de OC Art Blog. (Photographie de Kale Stiles)

Entretien avec John Dyer Baizley : (pour voir une partie de l'entretien, cliquez ici)

Comment votre art et votre musique fonctionnent-ils ensemble ? Quelle est votre démarche artistique ?
Lorsque je travaille sur les œuvres d'art et la musique de Baroness, il y a généralement ce genre de contrepoids entre ce que je veux accomplir visuellement et ce que je veux accomplir sonore. Parfois, de petits morceaux de l'œuvre d'art que je crée influencent la musique que je joue. Le plus souvent, il est plus facile d'écrire d'abord de la musique, puis, une fois que ces thèmes deviennent apparents, vous essayez de capturer l'imagerie. Par exemple, pour le Disque bleu, j'ai commencé à faire l'artwork pendant que nous enregistrions en studio. Je faisais des illustrations et écrivais des paroles en même temps. Pour l'enregistrement le plus récent (Jaune et vert), tout le dossier a été écrit et tous les concepts de l'œuvre d'art étaient sur du papier de cahier - idées ou croquis et pensées.L'enregistrement a pris beaucoup de temps et a été très épuisant mentalement, physiquement et psychiquement. Je ne pouvais même pas envisager de prendre un crayon pendant (enregistrement). Jeudi, j'en avais fini avec le disque et vendredi je me suis plongé dans (l'artwork) et j'ai passé des centaines d'heures sur les détails (de l'album).

Quelle taille faites-vous ces pièces d'art d'album?
Je suis une vieille école en matière de conception d'albums. Je le conçois à environ 13″ x 13″ ou 14″ x 14.” Je le conçois un peu grand pour que lorsqu'il s'écrase d'un pouce ou deux, tout se resserre un peu… Mais il& #8217 est difficile car ensuite vous coupez (l'illustration) dans ce petit carré (d'un CD), une grande partie de la subtilité et des détails sont compressés. Maintenant, vous parlez de 1 pouce sur 1 pouce dans iTunes. Je pense qu'à certains égards, l'art de faire des pochettes d'albums est en train de mourir très rapidement. J'ai posé mes pieds il y a des années, du moins en ce qui concerne le côté musical de ma carrière artistique. (La musique) est toujours destinée à être écoutée sur vinyle en ce qui me concerne. C'est l'expérience d'écoute ultime, c'est donc ainsi que je conçois tous mes albums.

Diriez-vous que vos pièces sont créées à partir de paysages oniriques ou de votre subconscient ?
Ils sont entièrement de mon subconscient. Une partie de mon processus implique des médias très permanents. L'encre noire que j'utilise est un support permanent. Il n'y a pas d'effacement. L'équilibre que je trouve à trouver est de savoir comment travailler dans un média permanent et ajouter de la spontanéité. Je travaille de façon très géométrique. Je trace des compositions qui me plaisent, qui ont le flux d'air ou les textures que j'aime. Ensuite, je commence à concevoir ces symboles ou icônes qui soutiennent le récit dont je suis vaguement conscient, car je viens d'écrire une série de chansons.

Il y a ce récit qui commence à se dérouler quand j'écris de la musique. Par exemple, lorsque vous écrivez une chanson, tout ne vous frappe pas en même temps. Vous devez commencer par quelque chose de simple qui fait ressortir l'émotion, puis vous devez affiner, réfléchir et équilibrer les choses qui ont de la technique et celles qui parlent au cœur. Artistiquement, c'est la même chose. J'ai d'abord besoin d'en exposer un peu le cœur et l'âme - le flux, la sensation, le pouls - et ensuite je dois devenir technique par-dessus. Quand je fais cela, j'essaie de laisser autant que possible au hasard. Certaines personnes appellent cela des erreurs heureuses ou des éclairs dans une bouteille… C'est sur quoi je juge le succès ou l'échec de beaucoup de mes pièces : qu'il se passe ou non quelque chose de cool par inadvertance. C'est la même chose avec la musique. Nous pourrions parler de l'un ou l'autre des sujets.

Il y a une intuition et un subconscient en jeu dans l'œuvre d'art, mais je travaille rationnellement, je travaille éveillé. Afin d'accéder aux aspects intuitifs du travail, je dois vraiment garder mon esprit ouvert et permettre et embrasser des choses qui ne sont pas, techniquement parlant ou conceptuellement parlant, de très bonnes idées. À long terme, ce que je fais, c'est que je cartographie quelque chose que je ne comprends pas tout à fait au fur et à mesure que je le fais. Une partie du plaisir pour moi est que je peux revenir en arrière et regarder ces choses et m'interroger à leur sujet.

Votre style de conception rappelle l'aspect de la lithographie. Avez-vous fait de la gravure ?
J'ai suivi quelques cours de gravure et j'ai découvert que ce n'était pas pour moi. Le processus de gravure nécessite un œil méticuleux pour les détails et nécessite beaucoup de précision et vous devez vraiment vérifier vous-même les faits. Je suis exactement le contraire. Je suis une personne très anxieuse et (mon travail artistique) arrive très vite et dans de grandes précipitations. (L'art) peut apparaître imprimé sur une jaquette LP comme quelque chose de propre, mais si vous deviez assister à sa création, ce n'est pas du tout le cas. Je suis plus heureux d'être plus lâche et plus expressif.

Vous travaillez principalement à l'encre et à l'aquarelle, n'est-ce pas ?
Oui, je travaille avec ce même type de procédé depuis environ 8 ans. Je pense que j'en ai un peu marre maintenant. J'ai apprécié ses limites ainsi que ses libertés, mais je pense que dans un avenir pas si lointain, je vais passer à autre chose et faire quelque chose d'un peu différent… juste en termes de médias.

Je pense qu'il est important de noter que je n'utilise pas d'ordinateurs. J'ai utilisé des ordinateurs pour la mise en page, et je ne l'ai fait que parce que je ne veux pas que quelqu'un d'autre gâche quelque chose dans lequel j'ai versé le sang de ma vie.

Êtes-vous inspiré par la mythologie lorsque vous créez votre œuvre d'art ?
J'ai étudié l'histoire de l'art et la mythologie classique. Quand j'étais jeune, j'ai lu Joseph Campbell. J'étais très intéressé par les mythologies grecque, romaine, scandinave et babylonienne. Ces dernières années, je me suis vraiment intéressé aux écrits de Carl Jung. J'ai appliqué l'idée de l'archétype… et je crée ma propre (mythologie) qui fonctionne pour la musique.

Vous vous êtes fait un nom en tant qu'artiste de couverture d'album.
Quand j'ai commencé à créer des œuvres comme celle-ci pour des disques, il n'y avait pas autant d'artistes qui le faisaient. C'est cool pour moi que maintenant vous n'ayez plus à sexualiser les femmes sur les pochettes d'albums. Si vous êtes un groupe de heavy, vous pouvez mettre quelque chose de beau sur votre pochette de disque, mais cela (peut toujours être) sombre et (lié) à la musique en cours de création. C'est le type de musique qui m'intéresse. Au début, j'ai pensé que c'était drôle de faire quelque chose qui allait à l'encontre du statu quo de l'époque. Les groupes de rock (à l'époque) utilisaient des images de pots d'échappement et de femmes illogiques aux gros seins. Ce n'est pas moi.

J'aime ta représentation du corps féminin. Cela me rappelle l'artiste baroque Peter Paul Rubens.
Ce n'est que ma main. Il se trouve que les modèles que j'ai utilisés pour ce disque (Le Disque bleu) étaient enceintes.

La plupart de vos pochettes d'album sont de couleurs vives, mais votre morceau pour l'album de Gillian Welch est en noir et blanc. Comment ce choix de conception s'est-il produit?
Quand j'ai fait cela, (Gillian et moi) avons voulu que ce soit une pièce peinte. J'ai travaillé le dessin au trait à un point tel que lorsque je le lui ai montré et que nous parlions de la façon dont nous allions le peindre et j'ai dit "Je pense que l'ambiance est là-bas." Elle et David ( Rawlings, partenaire musical de longue date de Gillian Welch) a accepté très rapidement. La version LP n'est pas encore sortie. La pièce est considérablement plus grande qu'un LP, (donc) il y a tellement de détails que vous n'avez pas encore vu.

Quelle est l'histoire derrière l'œuvre d'art de la baronne ? Jaune et vert album (qui sort en juillet) ?
Avec cet album, nous savions que nous allions faire un double CD. J'ai pensé que ce serait cool de faire un gatefold qui avait essentiellement deux couvertures. À l'époque, je regardais une pièce du Caravage où ils couronnaient Jésus d'épines et il y avait 5 figures dynamiques composées de cette manière très étonnante. Composer 5 personnes est une chose très, très difficile. Composer une pièce qui fonctionne en soi et ensuite coupée en deux est très intimidant. Je ne pense pas avoir complètement réussi, mais je pense que j'ai fait un assez bon travail. Je suis vraiment content de la façon dont il est sorti. Ce sont essentiellement les mêmes femmes archétypales qui représentent chacune une expérience et un rêve. Les animaux représentent toujours quelque chose et puis, bien sûr, comme toujours, nous avons des œufs qui sont fécondés.

Avez-vous une formation formelle en arts visuels ou en musique?
J'en ai eu, mais plus important encore, j'ai toujours créé de la musique et de l'art. Ma mère a des photos de moi en train de faire ça avant que j'aie des souvenirs de le faire. Elle m'a particulièrement soutenu dans ma volonté de le faire. J'ai toujours su que c'était ce que j'allais faire, mais je ne savais pas exactement comment j'allais le faire.

Je suis allé à la Rhode Island School of Design (en tant que spécialisation en illustration) pendant quelques années avant d'abandonner. Ce fut une expérience formidable car cela m'a ouvert l'esprit de tant de manières et m'a aidé à commencer à comprendre l'art dans un contexte plus large avec une vision du monde qui s'y rattache. J'ai eu de sérieux problèmes de substances quand j'étais à l'école, ce qui m'a obligé à partir. Au-delà de ça, je déchantais un peu après deux ans et demi dans cette école, parce que ça allait me mener vers un domaine artistique qui n'allait pas me satisfaire… (On parlait) de clients et de commercialisation. et développer un style, et toutes ces choses qu'ils vous ont poussé à faire dans un département d'illustration. Quand je suivais des cours d'arts plastiques, la mentalité était plus : « vous avez cela en vous, développez ce que vous avez jusqu'à ce que ce soit unique, jusqu'à ce que ce soit un défi. » C'est finalement devenu la leçon que j'ai apprise, même si je s'est retrouvé dans le mauvais département pour cela.

Ma vie était en quelque sorte en train de s'effondrer. J'ai arrêté de faire de l'art pendant deux ans parce que je l'ai associé à des moments sombres. (Pendant deux ans, j'ai vécu) au fond de la campagne (de Virginie) sans voiture, sans téléphone, (et) sans télévision. Je vivais au bord d'une rivière, je peignais juste des maisons et je transpirais en quelque sorte mes démons. C'est à ce moment-là que j'ai rencontré les gars de Baroness. Nous avons commencé à jouer de la musique et nous sommes finalement devenus ce que nous sommes maintenant. (Le groupe est devenu) une excellente raison pour moi de recommencer à faire de l'art.

Quand j'ai commencé Baroness, c'est devenu le meilleur débouché que j'ai pu trouver. J'avais tous ces trucs refoulés depuis si longtemps et je ne savais pas quoi en faire parce que je ne voulais pas le faire pour quelqu'un d'autre. Le monde des beaux-arts était si loin de là où j'étais et je ne le comprenais pas du tout, alors j'ai décidé de travailler dans mon propre monde pendant un certain temps. J'ai travaillé gratuitement pour d'autres groupes. Je ne gagnais pas d'argent. Quand nous tournons, nous sortons et gagnons 25 dollars par jour, assez pour un réservoir d'essence pour aller jouer un autre spectacle. Nous l'avons fait pendant des années, des années et des années, et même si cela m'a en quelque sorte écrasé physiquement, cela m'a libéré à bien des égards, car cela m'a permis de trouver un moyen d'être autosuffisant en faisant ce type d'œuvres d'art et ce type de musique. La façon dont je l'ai fait…, je n'envisagerais jamais de le faire d'une autre manière.

Pour faire (art et musique), vous demandez beaucoup aux gens qui vous aiment. Mes parents pensaient que c'était fou. Tout le monde pensait que c'était fou. Il ne semblait pas qu'il y aurait jamais eu de factures payées par ce biais. J'ai gravi les échelons, j'ai travaillé dans des clubs et des restaurants. Bien que cela vous rapporte de l'argent et que votre loyer soit payé, cela vous fout en l'air. Donc à un moment donné, j'ai juste dit merde, je vais juste vivre extra maigre pendant quelques années et si ça marche, ça marche et si ça ne marche pas, nous traverserons ce pont quand nous y arriverons . Jusqu'à présent, cela a essentiellement fonctionné. Il n'y a pas vraiment d'argent là-dedans, mais il y a une vraie satisfaction pour quelqu'un comme moi. Je ne veux pas travailler pour quelqu'un d'autre. Je préfère que mon chemin soit difficile, ardu et en quelque sorte épuisant à l'extérieur, mais à l'intérieur, mon feu continue de croître.

Pour plus d'informations sur l'art de John Dyer Baizley : http://aperfectmonster.com/

Photographie par Kale Stiles


Critique : « Rocketman » est une comédie musicale touchante et tentaculaire sur la vie d'Elton John

"Rocketman" raconte l'histoire de la jeunesse de l'une des rock stars les plus réussies et les plus aimées de l'histoire, en utilisant la musique d'Elton John pour illustrer et amplifier les moments clés de sa vie extraordinaire et tumultueuse.

Il y a quelques surprises cachées au milieu des sons doux et des visuels brillants et kaléidoscopiques de "Rocketman", bien que la façon dont il se termine n'en fasse pas partie. Il joue ses derniers moments, comme tous les biopics de nos jours le doivent apparemment, sur un montage de photos de son sujet réel. Pourtant, parce que ce sujet est Elton John, ce post-scriptum conventionnel a ses plaisirs bonus, et pas seulement parce que les images que nous voyons sont inhabituellement colorées et extravagantes à voir.

La vue de John lors de certains de ses concerts les plus mémorables, dont beaucoup sont recréés dans le film, ne fera probablement que renforcer votre admiration pour Taron Egerton, le jeu et l'acteur doué de 29 ans qui le joue. Vous êtes également susceptible de repartir satisfait que le réalisateur anglais Dexter Fletcher et ses collaborateurs (y compris le créateur de costumes Julian Day et le chef décorateur Marcus Rowland) ont recréé ces moments avec une précision méticuleuse et une exagération minimale, jusqu'à chaque dernier sequin et paire de spécifications.

Bien sûr, pour les millions de fans qui ont fait d'Elton Hercules John l'un des artistes les plus populaires de tous les temps, les comparaisons visuelles côte à côte pourraient bien être inutiles. Ils ont peut-être des souvenirs éternellement frais des plumes aux couleurs de l'arc-en-ciel que John portait sur "The Muppet Show", l'uniforme de baseball scintillant de ses spectacles à guichets fermés au Dodger Stadium ou ses débuts à L.A. défiant la gravité au Troubadour.

Mais le film vous donne quand même ces moments, et bien plus encore. L'impératif commercial du fan service, un terme souvent discuté dans le contexte des méga-franchises comme "Star Wars", s'applique également aux films sur les artistes musicaux à succès. Vous pourriez appeler "Rocketman" conventionnel, et vous n'auriez pas tout à fait tort. (Le fait que le titre soit un mot est peut-être son élément le plus surprenant.) Mais comme pour son sujet bien-aimé et son énorme catalogue de vers d'oreille multiplatine, la familiarité du film s'avère cruciale pour son charme.

Le pianiste anglais aux manières douces Reginald Dwight se transforme en la superstar du rock Elton John dans ce biopic musical fantastique avec Taron Egerton

C'est peut-être le bon moment pour se passer du sujet sensible de "Bohemian Rhapsody", et pas seulement parce que ce film biographique de Freddie Mercury, lauréat d'un Oscar, est également centré sur un musicien extrêmement populaire dont l'homosexualité longtemps réprimée a trouvé à la fois expression et couverture dans un sens du style démesuré, souvent scandaleux. Il y a aussi le fait qu'un Fletcher non crédité a terminé "Rhapsody" l'année dernière, après que le réalisateur Bryan Singer a été licencié à mi-production.

La différence entre ce film et celui-ci est essentiellement la différence entre un tissu de clichés et une histoire simple mais bien racontée. Mais c'est aussi la différence entre un biopic de musicien et une comédie musicale biographique. L'un des jeux les plus intuitifs du scénario de Lee Hall ("Billy Elliot", une pierre de touche résonnante ici) est de structurer l'image comme un spectacle de chant et de danse à part entière, dans lequel la fantaisie et la réalité se confondent souvent - parfois avec une fluidité sans faille, et parfois avec une distance quasi-brechtienne.

John d'Egerton interagit à des intervalles clés avec son jeune moi, né Reginald Dwight (joué à différents âges par Matthew Illesley et Kit Connor). Les inévitables performances de « Your Song », « Tiny Dancer », « Goodbye Yellow Brick Road », « I'm Still Standing », « Don't Let the Sun Go Down on Me » et, bien sûr, « Rocket Man » sont traités non seulement comme des jalons de carrière, mais aussi comme des numéros musicaux judicieusement mis en scène et psychologiquement révélateurs.

Il y a beaucoup de psychologie à révéler. L'histoire de John, avec tous ses sommets qui grimpent dans les charts et ses creux qui frappent la bouteille, a déjà été racontée, dans des morceaux de tabloïd salaces et des biographies non autorisées. (Son autobiographie officielle sera publiée cette année.) Mais ceux qui le connaissent comme un succès sans précédent et une icône LGBTQ pionnière, ou qui l'associent principalement à la joie d'une grande partie de sa musique, peuvent être pris au dépourvu par certains de les moments les plus poignants de ce récit particulier.

Nous sommes plongés dans une série de flashbacks prolongés vus du point de vue douloureux du passage en cure de désintoxication de John en 1990 – un dispositif de cadrage brutal mais efficace qui l'oblige à se débattre avec le passé à travers une brume de dépression et de colère à mi-récupération. La plupart de cette douleur est enracinée dans son enfance, passée à grandir dans le Londres des années 1950 avec ses parents malheureux et temporairement mariés. Stanley (Steven Mackintosh) est distant et sévère, prompt à éliminer toute trace de douceur dans le tempérament de son fils. Sheila (Bryce Dallas Howard) s'intéresse davantage aux prodigieuses capacités musicales du garçon, même si elle aussi trouve toujours de nouvelles opportunités de distraction et de déception.

L'exception est la grand-mère aimante de Reggie (Gemma Jones), toujours la première dont les oreilles se dressent lorsque Reggie commence à improviser au piano - ou, des années plus tard, lorsqu'il tombe sur la mélodie immortelle de "Your Song", dans l'un des films faits saillants indubitables. À ce stade, après un travelling de dix ans réglé sur le rythme palpitant de "Saturday Night's Alright for Fighting", Reggie (maintenant joué par Egerton) a déjà étudié à la Royal Academy of Music et a soutenu des chanteurs de soul avec son premier groupe. , Bluesologie.

Il a également commencé son amitié inséparable et sa collaboration professionnelle avec le brillant parolier Bernie Taupin (un formidable Jamie Bell), formant ensemble une machine à succès à deux qui leur vaut un contrat de trois albums. C'est au cours de leur première tournée aux États-Unis que Reggie, désormais connu sous le nom d'Elton John (un nom auquel il arrive à travers l'un des moments les plus maladroits du film), rencontre et tombe amoureux d'un directeur musical nommé John Reid (Richard Madden, dans un départ de "Game of Thrones").

Reid lui fournit une libération sexuelle bien nécessaire ainsi qu'une éducation amère sur la nature monstrueuse et sans cesse exploitante de la célébrité. Leurs scènes de sexe sont brèves et isolées, bien que le simple fait qu'elles existent - et sans l'air punitif qui a entaché "Bohemian Rhapsody" (la dernière fois que je le mentionne, je le promets) - méritera probablement plus d'éloges pour la franchise que ça mérite. "Rocketman" peut repousser les limites des normes peu exigeantes du grand public hollywoodien, mais sa représentation de la débauche rock 'n' roll s'inscrit toujours dans une gamme de gestes superficiels et quelque peu aseptisés.

Et donc vous hocherez la tête consciencieusement alors que John se lance dans sa spirale descendante dans l'alcool et le souffle, la gloire et le malheur. Vous allez grimacer de désapprobation alors qu'il gaspille l'émotion sur ceux qui ne le méritent pas et repousse ceux qui le méritent – ​​comme Ray Williams (Charlie Rowe), l'éditeur de musique qui l'a découvert en premier, lui et Taupin.Vous ferez la paix avec le fait que son génie musical, sa capacité à puiser dans une vaste gamme de traditions et de genres musicaux et à tirer des compositions infernalement accrocheuses de nulle part, dépassent la capacité de ce film à évoquer.

Ce que vous ne pouvez pas toujours prévoir, c'est l'esprit et l'imagination de la mise en scène, la façon dont le script réutilise certains de ces succès de John-Taupin pour souligner des moments dramatiques cruciaux. "Honky Cat" renaît comme un hymne de la cupidité des célébrités, "Bennie and the Jets" comme une chanson d'excès hédoniste. La vanité de jouer "Rocket Man" au fond de la piscine de John atteint un lyrisme magnifique dont Fletcher se retire trop tôt. Compte tenu de l'infinité des offres, il est compréhensible que le film doive se contenter d'extraits, mais vous voulez toujours plus de musique plutôt que moins.

Ce n'est pas la pire chose à laquelle on puisse penser de ce film. Une grande partie de cela a à voir avec Egerton, qui est loin d'être un match physique parfait pour son sujet, mais qui compense sagement la différence par une évocation discrète plutôt que par un mimétisme voyant. Il ne disparaît pas exactement dans le rôle, mais il accomplit quelque chose de presque aussi remarquable, qui consiste à localiser des profondeurs subtiles de sentiments dans un personnage que nous voyons pour la première fois porter un costume de poulet à cornes de diable. Dans ses moments les plus douloureux, cet Elton John semble chanter non pas pour les autres mais pour lui-même, nous rappelant que même les plaisirs les plus universels peuvent avoir des racines intensément personnelles. Avant c'était ta chanson, c'était la sienne.

« Homme-fusée »

Évaluation: R, pour le langage tout au long, certains usages de drogues et contenu sexuel


Mise à jour du pont Rogers - Sauvegarder la récupération de cette structure historique pour de futurs projets

18 juin 2021 - Johns Creek discutera de la disposition de la récupération historique du pont Rogers lors de sa séance de travail du 21 juin 2021. La Société historique et d'autres organisations de Johns Creek demandent à la ville de stocker l'acier récupéré comme un élément important et unique , et une partie irremplaçable de l'histoire de la ville - à utiliser pour créer des œuvres d'art public, des éléments historiques du parc Cauley Creek et d'autres projets pas encore imaginés.

Il est également important de garder la récupération du pont aussi intacte que possible et de ne pas couper la majorité en petites sections de 5 pieds comme proposé. Les utilisations les plus frappantes de la structure du pont seront pour les sections montrant l'ingénierie du pont et pour les pièces les plus longues afin de créer un art public à grande échelle, emblématique, digne d'un lieu et digne d'une destination qui sera unique à Johns Creek.

Il ne reste que peu de structures historiques à Johns Creek, ce qui fait de la récupération du pont Rogers un lien très important avec le passé de la ville. Espérons que l'opportunité de l'utiliser dans des projets futurs percutants et imaginatifs ne sera pas perdue.


Photo de drone : AJC (Ville de Duluth)

L'accès au sentier du chemin du pont Rogers menant au pont du chemin Bell a fermé le 1er mars 2021 et restera fermé jusqu'à la fin du projet. Actuellement, les travaux de préparation sont en cours et le pont devrait être démoli d'ici le début de l'été. Le coût de construction devrait être de 7,2 millions de dollars avec une part des coûts de 5,1 millions de dollars de la Commission régionale d'Atlanta, 700 000 $ du GDOT et 350 000 $ de chacun des comtés de Duluth, Johns Creek, Gwinnett et Fulton.


Le batteur des Doors John Densmore : "Il m'a fallu des années pour pardonner à Jim Morrison"

Lorsqu'il était au centre de la contre-culture américaine, il vivait dans la terreur de son camarade de groupe. Pourtant, après la mort du chanteur, il s'est battu férocement pour protéger son héritage. Mais, dit-il, il regrette toujours de ne pas avoir appelé Morrison sur ses relations abusives avec les femmes

Dernière modification le Mar 21 Jan 2020 15.46 GMT

Il a fallu trois ans au batteur des Doors, John Densmore, pour se rendre sur la tombe de son compagnon de groupe Jim Morrison après qu'il ait été retrouvé mort dans une baignoire parisienne en 1971. Il n'est même pas allé aux funérailles. « Est-ce que je détestais Jim ? » Densmore marque une pause, bien qu'il ne soit manifestement pas alarmé par la question. "Non. J'ai détesté son autodestruction… C'était un kamikaze qui est sorti à 27 ans – que puis-je dire ?

Beaucoup, ça se passe. Morrison était un homme qui était spectaculairement doué pour être une rock star – une silhouette souple en pantalon de cuir, prophétisant sur la mort, le sexe et la magie sur certains des plus grands succès des années 1960 – Light My Fire, Break on Through et Hello, I Love Tu. Mais il était catastrophiquement mauvais pour le reste de sa vie. Comme beaucoup d'alcooliques, il pouvait être imprudent, égoïste et mercuriel. « Le fou dionysiaque », l'a appelé Densmore – un « psychopathe », un « fou » et « la voix qui m'a terrorisé ». Il avait fait pression pour que Morrison quitte la route avant sa mort, et a même quitté le groupe à un moment donné. «Certaines personnes voulaient continuer à pelleter du charbon dans le moteur et je me suis dit :« Attendez une minute. Et si on avait un album de moins ? Peut-être vivra-t-il ?’ » Pourquoi a-t-il continué ? "Parce que je n'étais pas assez mature pour dire ça à l'époque. Je n'essayais pas de lui permettre. C'était une autre époque. J'avais l'habitude de répondre à la question : « Si Jim était là aujourd'hui, serait-il propre et sobre ? » par un « non ». Kamikaze ivre. Maintenant, j'ai changé d'avis. Bien sûr, il serait sobre. Pourquoi ne le serait-il pas ? Il était intelligent.

Densmore, 75 ans, est un survivant rebelle de la scène musicale qu'il a aidé à construire. C'est peut-être pourquoi, dans les décennies qui ont suivi la mort de Morrison, il est devenu non seulement l'un des grands chroniqueurs des Doors, mais le plus féroce protecteur de l'héritage de Morrison. Pour tous ceux qui ont lu les mémoires de Densmore en 1990 – un livre qui, selon lui, a été «écrit dans le sang» – cela peut surprendre plus tard que le livre formerait la base du (effroyable) biopic Doors d'Oliver Stone. « Il m'a fallu des années pour pardonner à Jim », dit Densmore. "Et maintenant, il me manque tellement pour son talent artistique."

Le mois prochain, un documentaire sur un autre de ses compagnons de groupe, le claviériste Ray Manzarek, décédé en 2013, sortira. La relation de Manzarek avec Densmore n'était pas lisse non plus. À partir du début des années 2000, ils ont été impliqués dans une bataille juridique vicieuse de six ans au cours de laquelle Densmore a tenté d'empêcher Manzarek et le guitariste du groupe, Robby Krieger, de tourner sous le nom de Doors ainsi que de vendre la musique du groupe pour une publicité Cadillac. . "Je connais. J'ai poursuivi mes camarades de groupe – suis-je FOU ?! » crie-t-il. Les gens pensaient certainement qu'il l'était. Il n'est pas habituel de passer des années devant les tribunaux à essayer de vous empêcher de gagner des millions de dollars pour prouver un point sur la valeur de l'intégrité artistique par rapport à la recherche de l'argent. « Que puis-je dire ? Le fantôme de Jim est derrière moi tout le temps », dit Densmore. «Mes genoux tremblaient assez fort lorsqu'ils ont augmenté l'offre de 5 millions de dollars (3,8 millions de livres sterling) à 15 millions de dollars. Mais ma tête me disait : Break on Through pour un SUV énergivore ? Non!"

Les portes : Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek et Robby Krieger. Photographie : Succession d'Edmund Teske/Getty Images

Les avocats de Manzarek et Krieger ont essayé de dépeindre Densmore comme un communiste dangereux – citant même un article qu'il a écrit et publié dans le Guardian comme preuve de cela – mais finalement, et de façon spectaculaire, il a gagné. Il a écrit un livre sur l'affaire, publié en 2013, et a fait don des bénéfices au mouvement Occupy. « L'argent est comme l'engrais », dit-il. "Quand c'est répandu, les choses poussent quand c'est thésaurisé, ça pue."

Densmore parle couramment la langue de l'aîné des années 60 : d'un côté, il parle d'arcs-en-ciel de paix et de pots d'or remplis d'amour, désespéré par la montée des « séparatistes, populistes et racistes borderline » qui dirigent les États-Unis. De l'autre, il affiche un pragmatisme presque glaçant sur la vie et la mort, ce qui n'est pas rare chez les musiciens de sa génération, qui ont perdu tant d'amis dans les excès de l'époque.

« J'ai interviewé Tom Petty quelques mois avant sa mort », dit-il doucement lorsque j'évoque cette question. Le couple est devenu ami pendant le procès – la chanson de Petty, Money Becomes King, à propos d'un chanteur qu'il idolâtrait autrefois et qui vendait ses chansons pour une publicité pour une bière légère, a frappé Densmore. « Il avait des problèmes de hanche. Je suppose qu'il prenait aussi des analgésiques et de la poudre brune. Merde… » il respire profondément. "J'ai juste mal de le perdre." Il marque une pause. « C’est peut-être plus noble de mourir dans un putain d’hôpital avec un tas de tubes dans le bras. Je veux dire, ça a l'air horrible, mais au moins tu as pris le train jusqu'au bout – tu n'as jamais vérifié tôt.

Densmore a grandi dans la banlieue ouest de LA. Il était un batteur doué dès son plus jeune âge, commençant dans la fanfare du lycée (une activité qui à l'époque « se classait à côté de la lèpre », a-t-il écrit un jour). L'université l'a mis au jazz, et il a adoré à l'autel de Coltrane et Davis. Il avait 21 ans quand il a rencontré Morrison, qui était grand, livresque et beau. "Je n'aime pas les gars, mais il ressemblait au David de Michel-Ange", dit-il. Ils s'étaient rencontrés par l'intermédiaire de Manzarek, un ami de Morrison de l'école de cinéma de l'UCLA, lors d'un atelier de méditation transcendantale dirigé par le gourou Maharishi Mahesh Yogi. Il a commencé à méditer, dit-il, parce qu'il ne pouvait pas prendre d'acide tout le temps et aimait la méditation de «réalité séparée» offerte. « Quand nous avons pris du LSD, c'était légal. Nous étions des scientifiques de rue explorant l'esprit. J'ai expérimenté la cocaïne dans les années 70 et 80. Mais ce n'était pas ma drogue de prédilection. Euh… de la drogue. Je déteste ce mot. J'ai été choqué quand l'héroïne est devenue populaire. Même Jim savait que l'héroïne était une drogue sérieuse. L'héroïne a essayé de vous faire tout oublier. Ça m'a fait peur. Alors je suis resté à l'écart.

Comparé à ses camarades de groupe, Densmore était un carré. Il n'était pas du genre école de cinéma/littéraire. Il ne comprenait pas l'obsession de Morrison pour Nietzsche (« Pourquoi quelqu'un voudrait-il lire un livre entier d'un tel double langage ? c'était Les 400 Fellations. "Adolescence!" il rit. Parfois, il était jaloux de l'attention que Morrison recevait – en particulier de la part des femmes. « Bien sûr, j'étais jaloux. J'avais été un adolescent batteur avec de l'acné. Je me souviens avoir pensé : « Pourquoi le visage de Jim est-il si grand ? » sur la pochette de notre premier album, The Doors. Probablement parce qu'il n'aurait pas vendu beaucoup d'exemplaires si c'était mon visage !

Bien qu'il n'ait peut-être pas été la pièce maîtresse du groupe, il ne fait aucun doute que Densmore a joué un rôle central dans le son du groupe. Il est difficile d'imaginer Break on Through sans son rythme de bossa nova chatoyant, ou LA Woman - une chanson qui vibre avec le bourdonnement d'une chaude nuit californienne - sans le break de batterie en cascade qui fait place aux grognements de Morrison de "MR MOJO RISIN'" .

Densmore dans les années 60. Photographie : Tom Copi/Getty Images

Mais alors qu'il parcourait le monde avec les Doors, la vie de famille de Densmore est devenue plus instable. Son frère a fait plusieurs séjours dans un hôpital psychiatrique. Il raconte qu'il est allé lui rendre visite, qu'il l'a trouvé fortement sous sédation et qu'il se demande comment dormir 17 heures par jour pourrait aider sa schizophrénie – un point qui sera familier même maintenant à quiconque a dû endurer une maladie mentale aiguë. Son frère s'est suicidé en 1978. Il s'appelait aussi Jim, il est également décédé à l'âge de 27 ans. Densmore a écrit plus tard qu'il avait eu du mal à manipuler des objets tranchants après le suicide de son frère. "Je pensais que si je le faisais aussi, cela l'améliorerait d'une manière ou d'une autre – expier de ne pas l'avoir sauvé."

« Ma sœur s'est fâchée contre moi pour avoir écrit à ce sujet », dit-il. « Pour avoir révélé le secret de famille. Notre frère s'est suicidé et à l'époque on n'en parlait pas. Et je me suis excusé. J'ai dit que j'étais désolé. J'ai dit: "Je sais que ça fait mal, mais je veux aussi que vous lisiez ces lettres que j'ai reçues de fans qui disent qu'ils voulaient se suicider et ne l'ont pas fait à cause de ce livre." Et c'est pourquoi c'est là. Parce que, aussi difficile que cela puisse être, c'est une guérison de mettre ces choses sur la table. "

Densmore a fait plus de musique après la séparation des Doors en 1973, puis s'est tourné vers le théâtre et la danse. Mais c'est le chagrin, c'est clair, qui l'a poussé à l'écrit. "C'est marrant. J'ai eu des C en anglais à l'école. J'ai détesté. Mais maintenant, je veux être écrivain et je suis avide de nouveau vocabulaire et de nouvelles idées. J'aime connecter de nouvelles synapses. Comme Jim Morrison l'a fait. J’ai en quelque sorte l’impression de canaliser sa passion pour la vie. » Il arrête. "En fait, pas pour la vie - comme je l'ai dit, c'était un kamikaze qui est sorti à 27 ans. Mais je veux donner l'exemple."

Kyle Maclachlan, Frank Whaley, Kevin Dillon et Val Kilmer dans The Doors d'Oliver Stone. Photographie : Moviestore/Rex/Shutterstock

Les écrits de Densmore sur Morrison se lisent souvent comme s'ils avaient été écrits par quelqu'un qui a survécu à une relation abusive, telle était la terreur qu'il ressentait autour de Morrison vers la fin. « À l'extérieur, Jim semblait normal », a-t-il écrit. "Mais il avait une agressivité envers la vie et les femmes." Un de ces incidents s'est produit au début de leur amitié lorsqu'il est allé chercher Morrison chez une femme et l'a trouvé brandissant un couteau contre elle tout en lui tenant la main dans le dos. À l'époque, Densmore n'a rien fait parce qu'il craignait que si quelqu'un découvrait l'existence de Morrison, le groupe – et sa propre carrière – seraient terminés. Qu'en pense-t-il maintenant ? « J'étais vraiment jeune, dit-il. «Je ne pouvais pas savoir s'ils étaient amants, amis ou ennemis. J'avais juste l'impression que j'avais besoin de sortir de là. Aurait-il agi différemment si cela s'était produit aujourd'hui ? « Oui, je dirais : « Qu'est-ce que vous foutez ? S'il vous plaît, baissez-le de quelques crans ici.

Il y a aussi une anecdote dans ses mémoires, qui fait également partie du film Stone, dans laquelle la partenaire de Morrison, Pamela Courson, est amenée dans la cabine vocale et invitée à faire une fellation au chanteur pendant qu'il enregistre le morceau Lost Little Girl. . « Urgh », gémit-il lorsque j'en parle. Comment le ressent-il ? "Pas si bon. Je veux dire, je ne pense pas qu'il… Eh bien, ouais… Tu vois, je suis à court de mots. SEXISTE, que puis-je dire ? Comment ça s'est passé à l'époque, quand tout le groupe était là, de voir ça se produire de loin ? « Eh bien, vous savez, ce n’est pas vraiment arrivé. Ils étaient juste en train de s'embrasser, puis elle est partie.

C'est étrange, dis-je, parce que Stone en crée une scène dans son film. "Oh mon Dieu. Eh bien, vous savez, les films hollywoodiens sont une peinture impressionniste de la vérité », dit-il.

Plus tard dans l'interview, nous revenons sur ce point. "Je suis un peu nerveux d'avoir dit des choses stupides", dit-il. "Mais la vie est désordonnée." C'est vrai - si vous avez vécu autant de vies que Densmore, vu les générations changer et changer, il ne fait aucun doute que ce qui était acceptable il y a 50 ans ne l'est plus.

Le prochain livre de Densmore parlera de ses rencontres avec des musiciens. « Chaque chapitre parle d'un artiste différent qui m'a nourri artistiquement », dit-il. Cela ira de son apprentissage du tabla avec Ravi Shankar à son adoration pour Patti Smith jusqu'à sa rencontre avec Bob Marley. « Écrire est un peu plus facile pour une personne de 75 ans », dit-il. «Je dois me rythmer. Je ne manque pas de respect à Jim et à ses 27 ans, mais j'y suis depuis longtemps. Il se mariera également cette année « pour la centième fois » (c'est sa quatrième fois), avec sa compagne de 13 ans, la peintre et photographe Ildiko Von Somogyi. « Je suppose que je crois en l'institution », dit-il en riant. Il est fier d'avoir trouvé une autre carrière après la musique. «Vous voulez avoir un tas de vies», dit-il. "Et la vie continue - si vous restez vital."


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