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Quelle est la plus ancienne représentation d'une grue ?

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Diverses sources sur Internet - telles que Crane (machine), A History Of The Crane et The sky is the limit: human powered grues and lift devices - indiquent que les Grecs de l'Antiquité étaient les inventeurs de la grue au cours du 6ème siècle avant JC.

Les grues ont été adoptées et améliorées par les Romains ; l'image ci-dessous est la première représentation d'une grue que j'ai pu trouver.

"… une partie de la riche décoration de la tombe des Haterii, une famille de constructeurs qui ont construit leur propre tombe le long de l'ancienne via Labicana dans le premières années du IIe siècle après J." (ma mise en évidence) Source : museivaticani

Cela semble être une grue à roue et c'est la seule représentation de grue des temps anciens que j'ai trouvée - plus de 600 ans après l'invention de la grue.

Existe-t-il des représentations antérieures, par exemple dans des reliefs, des vases ou des peintures murales ? Sinon, existe-t-il d'autres représentations pré-médiévales de grues ?


Le constructeur romain Lucceius Peculiaris serait un autre exemple pré-médiéval.

Lucceius ; Particulier ; Ex Biso ; Rédempteur ; Fécit ; Prosceni.

Malheureusement, il est même apparemment un peu plus jeune que l'exemple de la question, 3e siècle :

Informations sur l'objet - généralités
Actuellement situé : Capua, Italie, IT, Museo Provinciale Campano - L'information sur le lieu est Aufbewahrungsort - Ort im Gazetteer Provenance : Italien, Capua / Santa Maria Capua Vetere, in den Ruinen des Theaters Catégorie/Culture Zone/Fonction : Inschrift; Soulagement; Weihung Appartient au monument : nein Initié/Commandé par : Lucceius Peculiaris redemptor prosceni Sphère culturelle : römisch Datation : spätrepublikanisch. - d'après : W. Fuchs - Ende/spätes 3. Cent. n.m. Chr. - Argument : Vergleich u. une. mit Köpfen vom Galeriusbogen sowie Gewändern auf dem Galerius- und Konstantinsbogen / d'après: G. Zimmer -

3631 : Votivrelief des Lucceius Peculiaris Capua, Museo Provinciale Campano (version agrandie)

Le manuscrit illustré Manuscrit - Vat.lat.3225 également appelé Vergilius Vaticanus du 4ème siècle contient des scènes de "construire une ville"

La scène décrite plus en détail peut signifier :

Enée et Achats voient Carthage en construction (f.13r) ; Enée devant Didon (f.16r) ; Vénus envoie à Didon l'Amour sous la forme d'Ascagne (f.17r). // {{Information |Description={{fr|1=Folio 13r du Vatican Vergile (Vatican, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3225). Enée trouve Carthage. Illustration du texte de l'Iliade.}} |Source=Vatican Vergil (Vatican, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. lat. 3 Src : French WP et WikiMedia Commons

Les Romains sont grands, les Grecs sont encore plus grands ? Mais ils sont jeunes. Comme il s'agit du plus ancien de ces appareils, nous devons généralement nous pencher sur la Mésopotamie ou l'Égypte ?

On y trouve

Ce relief de Ninive montre un homme avec un shaduf (Un seau attaché à une longue poutre, lesté à une extrémité et équilibré de sorte que le seau s'élève facilement.). Il modifie le cours d'un ruisseau pour aider les ouvriers de Sennachérib à déplacer une sculpture géante.
Panneau mural en albâtre relief en deux parties : montrant un taureau ailé pour le palais de Sennachérib sortant de la carrière. Le taureau, grossièrement achevé, a été placé sur un traîneau qui avance sur des rouleaux, tiré par des prisonniers de guerre. Quatre surveillants, dont deux avec trompettes, dirigent l'opération du haut du colosse. A gauche, le roi se tient dans un char tiré par la main. Certains hommes dégagent des rochers de la piste ; d'autres tirent sur un long levier, calé en place pour déplacer la charge lorsqu'elle coince. En bas, des hommes utilisent des seaux, attachés à des bras en contrepoids pour faire monter l'eau et détourner un ruisseau. Du gypse panneau mural relief en deux parties : montrant un taureau ailé pour le palais de Sennachérib quittant la carrière.

Règle : Sennachérib, néo-assyrien, date 700BC-692BC

Certains pensent que ce type a été utilisé dans la construction de la pyramide nubienne.

Dans tous les cas:

L'une des premières versions de la grue à avoir été développée était le shaduf, utilisé pour la première fois pour déplacer l'eau en Égypte il y a environ quatre mille ans. Le shaduf est constitué d'une longue poutre pivotante en équilibre sur un support vertical. Un poids lourd est attaché à une extrémité de la poutre et un seau à l'autre. L'utilisateur tire le seau vers le bas jusqu'à l'alimentation en eau, le remplit, puis permet au poids de tirer le seau vers le haut. Le faisceau est ensuite tourné vers la position souhaitée et le seau est vidé. Le shaduf est encore utilisé dans les zones rurales d'Egypte et d'Inde.

Et de l'époque d'Auguste

Les travaux de construction étaient exigeants. L'utilisation accrue de gros morceaux de marbre et d'autres pierres lourdes comme le granit a nécessité des appareils de levage de plus en plus grands. Fabriqués en bois, il y a peu de traces matérielles de ces appareils, mais ils apparaissent dans l'art et la littérature. Une plaque en terre cuite de la Via Cassia montre un général en armure debout au milieu de représentations d'un trophée militaire, d'une victoire volante et d'une représentation agenouillée identifiée comme étant Roma. De chaque côté, des personnages plus petits actionnent des grues à clé pour soulever des pierres équarries pour des murs massifs (Schäfer 435-436 ; figure 6) . Bien que les interprétations de cette scène varient, de toute évidence, l'inclusion d'un acte de construction suppose une familiarité et un sens puissant pour la construction. De même, une sculpture de Capoue commémorant une vision de Lucceius Peculiaris, peut-être un entrepreneur pour la reconstruction augustéenne de l'amphithéâtre, montre un palan et une grue à roue soulevant une colonne monolithique (Sear 7). Vitruve a consacré un chapitre entier aux machines de levage qu'il associe à une certaine magnificence (10.1.2).

Diane Favro : "Reading Augustan Rome: Materiality as Rhetoric In Situ", Avancées dans l'histoire de la rhétorique, 20:2, 180-195, DOI: 10.1080/15362426.2017.1326325


Quelle est la plus ancienne représentation d'une grue ? - Histoire

À travers l'histoire, les artistes se sont inspirés des oiseaux. Des formes mi-oiseau, mi-humaines ont fréquemment été utilisées pour représenter des phénomènes surnaturels ou des capacités humaines améliorées, en particulier celles de la vision (têtes d'oiseaux) et de la vitesse (ailes d'oiseaux). La représentation artistique la plus ancienne d'oiseaux ou de parties d'oiseaux est peut-être un homme préhistorique à tête d'oiseau datant de 15 000 à 10 000 av. Il est peint sur l'un des murs de la grotte de Lascaux en France - le trésor souvent décrit de l'art de l'âge de pierre.

Les anciens Égyptiens considéraient les oiseaux comme des « âmes ailées », ils les utilisaient parfois pour symboliser des dieux particuliers. Le symbole d'Horus, le dieu du soleil (et le dieu local du Haut-Nil), était la tête ou le corps d'un faucon. Dans une statue du roi Chefren de Gizeh sur son trône (vers 2500 avant JC), le roi n'est pas assis seul - le faucon d'Horus est perché derrière sa tête et ses ailes enveloppent les épaules du roi. L'oiseau semble veiller sur le roi et son royaume. Par la suite, les rapaces ont souvent été utilisés pour représenter le pouvoir national, jusqu'au symbole national des États-Unis. (Nous aimerions penser que les pères fondateurs ne reconnaissaient pas l'habitude du pygargue à tête blanche de ramasser les poissons morts et de se nourrir dans les décharges.) Alors que les oiseaux prédateurs sont souvent utilisés dans l'art pour symboliser le pouvoir, les colombes (proies fréquentes des rapaces) représentent souvent la paix. .

Des chimères ailées symboliques comme Pégase, le cheval volant, sont récurrentes. La puissance du sphinx, indiquée par la fusion d'une tête humaine sur le corps d'un lion, est parfois augmentée par les ailes d'un oiseau. Si le Grand Sphinx avait des ailes, elles ont disparu depuis longtemps, mais celles du Sphinx ailé de Naxos (500 av. J.-C.) restent resplendissantes. La victoire et la liberté continuent d'être associées aux ailes d'oiseau. Ils sont, par exemple, la caractéristique exceptionnelle de la célèbre sculpture en marbre hellénistique de la "Victoire ailée" de Samothrace (200 avant JC). Cette déesse en partie aéroportée devint à son tour le prototype d'innombrables peintures et caricatures politiques modernes.

Les chardonnerets, qui apparaissent couramment dans les manuscrits enluminés du Moyen Âge, étaient associés à l'enfant Jésus. Dans le sud de l'Italie et en Sicile, les chardonnerets étaient couramment lâchés à l'époque où une figure représentant le Christ ressuscité apparaissait lors des célébrations de Pâques. La prédilection des chardonnerets pour les chardons épineux aurait-elle rappelé la couronne d'épines et ainsi conduit à leur association avec le Christ ? Pendant la Renaissance, la plupart des peintures étaient religieuses et les anges ailés d'oiseaux étaient communs. Il semblerait que les innombrables représentations de l'Annonciation diffèrent le plus par l'utilisation des ailes de différentes espèces d'oiseaux.

Les Amérindiens vivant sur la côte nord-ouest de notre continent étaient des artistes ornithologues accomplis. Ils utilisaient des représentations stylisées de corbeaux (qui étaient considérés comme des dieux et jouaient un rôle central dans leur religion), d'aigles et d'huîtriers, etc., dans des masques sculptés et des hochets ainsi que sur des écrans peints, des tambours et des boîtes. Alors que l'utilisation symbolique des oiseaux (et de parties de leur anatomie) est ancienne, les représentations de la biologie des oiseaux ne sont en aucun cas une invention moderne. Par exemple, un oiseau tique stylisé cueillant des parasites sur le dos d'un taureau est peint sur un morceau de poterie datant de la fin de l'ère mycénienne, plus de mille ans avant Jésus-Christ, et un premier livre anglais contient une image d'un hibou en train d'être assailli.

La représentation réaliste des oiseaux dans la nature devient de plus en plus évidente dans les peintures occidentales et orientales du XVIIIe siècle, mais l'illustration de la biologie des oiseaux n'a pas été élevée à sa position actuelle en tant que forme d'art avant l'œuvre de John James Audubon au début des années 1800. Audubon a été parmi les premiers artistes à représenter avec précision la biologie des oiseaux et certainement le premier à peindre systématiquement ses sujets avec un tel drame qu'il s'est également imposé comme une figure importante de l'histoire de l'art. Des reproductions de ses aquarelles grandeur nature ont été imprimées dans le célèbre "Double Elephant Folio" des Oiseaux d'Amérique. Les contours ont été imprimés à partir d'énormes plaques de cuivre gravées, et la coloration faite de main de maître. Les images illustraient souvent des aspects de la biologie des oiseaux : divers plumages, nidification, alimentation, défense contre les prédateurs, parade, etc. Moins de 130 des 200 séries originales de 435 assiettes colorées à la main ont survécu intactes. La valeur qui leur est attribuée en tant qu'œuvres d'art peut être jugée à partir des prix commandés par les assiettes individuelles des ensembles qui ont été décomposés. Lors d'une vente aux enchères à la fin de 1985, de nombreuses assiettes, dont le flamant rose, le cygne trompette, les faucons gerfauts et les harfangs des neiges, se sont vendues plus de 25 000 $ chacune. Le meilleur dollar, 35 200 $, a été payé pour un exemple de la représentation d'Audubon d'un groupe de sept perruches de Caroline disparues depuis longtemps.

Les vocalisations des oiseaux, bien sûr, figurent souvent dans les œuvres littéraires, en particulier dans la poésie, comme nous le rappellent les paroles de Milton, Keats, Shelley et d'autres sur les chants des rossignols. L'appel du coucou européen a été présenté dans le chœur d'au moins une berceuse. Le transfert de thèmes le plus répandu du monde aviaire au monde de l'art humain s'est peut-être produit dans la danse. Les peuples de la côte nord-ouest ont des danses exceptionnelles de corbeau et d'huîtrier. Les rituels de parade nuptiale des grues sont imités dans les danses des tribus africaines, des Aïnous du Japon, des Aborigènes australiens et des Amérindiens. On pourrait même imaginer que les grues ont, directement ou indirectement, influencé le ballet de la même manière que Peter Tchaïkovski a été influencé par les cygnes il y a plus d'un siècle lorsqu'il a composé Le Lac des cygnes.

L'utilisation symbolique des oiseaux se poursuit aujourd'hui sans relâche. Par exemple, de nombreuses publicités télévisées présentent le pygargue à tête blanche ou des faucons assortis pour suggérer le patriotisme, la fiabilité, la vitesse ou le machisme. Le paon « fier » est le symbole d'un grand réseau. Des extraits de films d'oiseaux volant, se nourrissant, chantant et faisant la cour sont également fréquemment utilisés dans les programmes de nature et d'affaires publiques pour indiquer les conditions pacifiques et primitives qui disparaissent rapidement de notre planète. L'art des oiseaux semble devenir de plus en plus populaire à mesure que les oiseaux eux-mêmes commencent à disparaître. Les peintures, gravures et sculptures d'oiseaux modernes sont très demandées, d'autant plus que les œuvres d'Audubon et d'autres « vieux maîtres » aviaires ne sont pas accessibles à la plupart. Les enfants élevés avec l'image d'un « grand oiseau » omniscient peuvent très bien voir les oiseaux différemment de leurs parents, élevés avec Woody Woodpecker et Daffy Duck, mais il semble certain que les oiseaux et leur biologie, d'une manière ou d'une autre, restent ancrés dans les arts et dans la psyché humaine pour longtemps.

Copyright & reg 1988 par Paul R. Ehrlich, David S. Dobkin et Darryl Wheye.


Histoire des grues dans l'art chinois

Depuis les temps anciens, les Chinois ont été exceptionnellement créatifs en utilisant divers objets vivants, non vivants et imaginaires pour représenter des idées abstraites. Ils ont un symbole pour tout, y compris la vie, la mort et la longévité. Un coup d'œil sur l'art et les tapis chinois peut vous renseigner sur les myriades de symboles chinois. Parmi les symboles les plus populaires et les plus utilisés figurent ceux de la longévité. Ils comprennent le bambou, la cigale, la pêche, la courge, le pin, le cerf et la grue.

Les grues, ou hérons comme on les appelle aussi, jouent un rôle important dans la mythologie chinoise. Dans la culture chinoise, la grue est vénérée comme le prince de toutes les créatures à plumes et a donc un statut légendaire. Incarnant la longévité et la paix, c'est le deuxième symbole d'oiseau le plus apprécié après le phénix. Tout au long de l'époque impériale, des motifs de grue ont été utilisés sur les robes des fonctionnaires civils pour représenter leurs rangs. En raison de sa capacité à voler haut et sur de longues distances, ses ailes étaient utilisées comme une amulette pour se protéger de l'épuisement.

Il existe quatre types de grues dans la mythologie chinoise : blanche, noire, bleue et jaune. Mais plutôt que la couleur, le cadre et les postures du cygne sont plus importants. Une grue qui est montrée avec ses ailes déployées et une jambe levée représente la longévité. Lorsqu'il est montré sous un pin près d'un cerf tacheté, il symbolise une vie prolongée. Celui qui est représenté parmi les fleurs de pivoine représente la prospérité et la longévité tandis que celui qui est représenté avec des fleurs de lotus symbolise la pureté et la longévité.

Si une grue chinoise est représentée volant vers le soleil, cela signifie un désir de promotion sociale. Une grue qui est représentée perchée sur un rocher et regardant le soleil représente une autorité importante qui peut tout voir. Deux grues marchant ou volant ensemble est le symbole ultime de la longévité.

Étant donné que les grues volent dans le ciel bleu clair au-dessus de la terre poussiéreuse, elles sont également considérées comme des symboles de propreté et de pureté. Quand un prêtre taoïste est sur son lit de mort, on dit qu'il se transforme en grue à plumes. De nombreux Chinois croient encore que les grues transportent leur esprit au ciel après leur mort. Avec un statut si vénéré et légendaire, il n'est pas étonnant que les grues apparaissent régulièrement dans l'art et les tapis chinois.

La représentation des grues dans l'art chinois et les tapis anciens sont presque entièrement basées sur leur signification mythologique et leur symbolisme. Mais il y a une légère différence entre la façon dont ils sont représentés dans l'art et le tapis. Alors que dans l'art, ils sont généralement montrés seuls, en couple ou en groupe dans un magnifique cadre naturel, comme un lac ou une cascade, dans les tapis, ils peuvent être montrés avec d'autres symboles comme un lion.

L'une des représentations les plus populaires des grues sur les tapis chinois est celle d'une grue à huppe rouge volant parmi les nuages ​​et les roses, symbolisant la longévité, la sagesse et la noblesse. Une autre représentation populaire est une grue planant au-dessus d'un cerf broutant sous un pin. Deux grues dansant au sol ou volant ensemble sont également très courantes. Dans toutes les scènes où les grues sont représentées, leur symbolisme dans l'art et les tapis chinois est toujours important.

Ce blog d'art sur la signification et le symbolisme des grues dans l'art chinois a été publié par Nazmiyal Antique Rugs


Animaux de compagnie anciens

Les archéologues savent depuis longtemps que les chiens ont été domestiqués au néolithique. Des ossements de chien datant d'environ dix mille ans ont été trouvés près d'établissements humains, a déclaré Zeder. Les preuves que les chiens ont aidé les missions de chasse ont été moins immédiatement évidentes.

Robert Losey, professeur à l'Université de l'Alberta, est un expert des relations anciennes entre les humains et les animaux, en particulier avec les chiens. Il a trouvé des preuves de restes de chiens vieux de 10 000 ans en Sibérie, mais il n'est pas sûr du rôle exact que ces chiens ont joué. Les restes, a-t-il dit, ont été délibérément enterrés, avec les squelettes entièrement intacts, ce qui signifie qu'ils n'auraient probablement pas été une source de nourriture.

"Des travaux ethnographiques ont montré qu'être aidé par des chiens a considérablement amélioré la productivité de la chasse", a-t-il déclaré. Son intuition est que la domestication des chiens a coïncidé avec, ou a été aidée par, les humains qui ont profité de la chasse avec les aimables canidés. Il pense qu'il est plausible que l'art montre les chiens tenus en laisse.

"Les attachements émotionnels que les gens ont pour les chiens sont très, très anciens", a-t-il déclaré. (En savoir plus sur la façon dont les chiens peuvent nous avoir domestiqués.)

Guagnin a noté dans son étude que le niveau de détail utilisé pour représenter les chiens indique que l'artiste ou les artistes peuvent avoir eu un lien étroit avec les animaux.

Alors que Zeder est sceptique quant aux affirmations de Guagnin sur l'âge des sculptures, elle convient que l'art montre ces liens forts.

"Ce qui me frappe dans l'art rupestre, c'est le degré de détail. Les différentes marques des chiens, la bande d'épaule commune, les taches blanches. Le niveau de réalité artistique et de détail est vraiment remarquable", a déclaré Zeder.

Guagnin et son équipe prévoient de retourner à Jubbah, où ils pensent que d'autres sites néolithiques attendent d'être explorés, datant d'aussi loin que 10 000 av. Ils chercheront des preuves physiques que les chiens étaient en fait présents dans la région à l'époque.


La plus ancienne représentation du «serpent ardent» trouvée dans la peinture médiévale

Des chercheurs italiens examinant une peinture médiévale ont peut-être trouvé la première représentation visuelle de la dracunculose, une horrible infection parasitaire dans laquelle un ver mesurant jusqu'à 3 pieds de long sort de la peau.

Actuellement endémique dans des régions du Tchad, de l'Éthiopie, du Mali et du Soudan du Sud, la maladie se transmet aux personnes qui boivent de l'eau infestée de puces d'eau qui se trouvent dans la cyclope genre, et qui contiennent des larves du ver de Guinée (Dracunculus medinensis). Un an après que la personne a ingéré l'eau contaminée, un ver ressemblant à un spaghetti de 0,6 à 1 mètre de long fait éruption d'une zone boursouflée de la peau de la personne et se trouve généralement dans la partie inférieure de la jambe, selon la Santé mondiale. Organisation.

Pour soulager la douleur et la sensation de brûlure que le ver provoque lors de son éruption, les victimes recherchent de l'eau, ce qui incite le ver à évacuer ses larves, ce qui recommence tout le cycle. [Les 10 parasites les plus diaboliques et dégoûtants]

Selon une étude qui sera publiée dans un prochain numéro du Journal of Infection, la dracunculose apparaît clairement pour la première fois dans un retable du XVe siècle exposé à la Pinacoteca di Brera (galerie de peinture), située dans la région des Pouilles, dans le sud de l'Italie.

L'œuvre d'art est considérée comme un exemple rare de la peinture gothique tardive dans les Pouilles et représente Saint-Roch, un pèlerin français du XIVe siècle qui aurait guéri les victimes de la peste et l'aurait lui-même descendu.

"En effet, Saint-Roch est généralement représenté avec un bubon sur le haut de la cuisse", a déclaré à Live Science le paléopathologiste Raffaele Gaeta, de l'Université de Pise, en Italie.

Le tableau de Bari, montrant le saint comme un homme barbu aux longs cheveux blonds bouclés, ne fait pas exception. Le peintre anonyme a représenté Saint-Roch avec un gonflement sur la cuisse gauche, rendu visible par une chaussette roulée.

"Cependant, le retable ajoute un nouveau détail réaliste : un filament blanc et fin sort de la lésion et atteint presque le genou", a déclaré Gaeta.

Il a noté que les historiens de l'art ont identifié à tort cet élément comme une longue goutte de pus émergeant de la plaie infectée. [25 découvertes archéologiques macabres]

« Nous pensons plutôt que le peintre a dépeint un ancien cas de dracunculose, une maladie infectieuse causée par un ver nématode, le Dracunculus medinensis, bien connu dans l'Antiquité », ont écrit Gaeta et ses collègues Fabrizio Bruschi et Valentina Giuffra dans leur étude.

La dracunculose afflige l'humanité depuis des milliers d'années. L'Ancien Testament de la Bible, datant de 1450 av. J.-C., fait référence au ver, selon le Centre Carter. Il est mentionné dans le papyrus médical égyptien d'Ebers, datant de 1550 av.

Une preuve supplémentaire de l'existence du ver dans l'Egypte ancienne a été fournie dans les années 1970 : un ver de Guinée calcifié a été trouvé dans la cavité abdominale d'une momie vieille de 3 000 ans.

Les parasitologues pensent que les "serpents de feu" bibliques qui ont attaqué les Israélites qui s'étaient échappés d'Egypte pourraient avoir été des vers de Guinée. L'infection aurait été généralisée au Moyen-Orient au moment de l'exode, comme elle l'était jusqu'à récemment.

"Le ver ne tue pas, mais laisse la victime dans une misère invalidante", a déclaré Gaeta.

"Le parasite aurait pu mériter son surnom de 'serpent ardent' car il provoque une douleur brûlante atroce lorsqu'il éclate à travers la peau", a-t-il ajouté.

Bien que la maladie ne soit pas documentée en Italie, il est possible que le peintre anonyme ait remarqué le parasite dans la blessure d'un voyageur arrivé à Bari, qui était un port important pour les personnes voyageant vers l'Est, notamment la Syrie et la Palestine.

"Il a ensuite ajouté le filament blanc long et fin qui sort de la jambe comme une note de réalisme extrême", a déclaré Gaeta.

Selon Francesco Galassi, paléopathologiste à l'Institut de médecine évolutive de l'Université de Zurich, la recherche "offre une place pour une réflexion plus générale sur l'importance de la prévention des maladies infectieuses pour les voyageurs internationaux dans le monde moderne".

"Je trouve plutôt captivant que les auteurs émettent l'hypothèse que cette maladie aurait pu être décrite sur un individu venant à Bari de régions où, contrairement à la péninsule italienne, la maladie était endémique", a déclaré Galassi à Live Science.

À la suite d'une campagne de 30 ans menée par le Carter Center, un organisme de bienfaisance créé par l'ancien président Jimmy Carter, la dracunculose sera probablement la deuxième maladie humaine de l'histoire après la variole à être éradiquée. Ce sera la première maladie parasitaire à être éradiquée et la première maladie à être éradiquée sans l'utilisation d'un médicament ou d'un vaccin.

En 2016, seulement 25 cas de dracunculose ont été signalés dans le monde, contre 3,5 millions de cas estimés en 1986, selon l'Observatoire de la santé mondiale de l'OMS.


La première représentation de Jésus a peut-être été découverte dans une structure égyptienne antique

Une équipe d'archéologues catalans a découvert ce qu'ils pensent être l'une des plus anciennes représentations de Jésus réalisées par les premiers chrétiens coptes d'Égypte.

Les chercheurs ont découvert une structure souterraine dans une série de tombes enterrées datant des VIe et VIIe siècles. Chez les coptes, ou premiers chrétiens, les images peintes sur les murs de la structure étaient ce que le chercheur principal Josep Padró a décrit comme « la figure d'un jeune homme, aux cheveux bouclés, vêtu d'une tunique courte et avec sa main levée comme s'il donnait une bénédiction. "


Photo reproduite avec l'aimable autorisation de l'Université de Barcelone.

"Nous pourrions avoir affaire à une image très précoce de Jésus-Christ", a déclaré Padró à La Vanguardia.

Les chercheurs ont retiré 45 tonnes de roche pour accéder aux murs où la peinture a été trouvée, qui sont situés parmi plusieurs sites que Padró a fouillés au cours des 20 dernières années.

Le dessin est sous verrouillage pendant que les chercheurs commencent à traduire les inscriptions qui l'entourent.

En 2011, des archéologues travaillant près de la mer de Galilée ont découvert un livret vieux de 2 000 ans contenant ce qui était alors considéré comme l'une des premières représentations de Jésus. Le livret aurait porté l'inscription « Sauveur d'Israël », mais son authenticité a ensuite été mise en doute.

CORRECTION: Un titre précédent de cet article suggérait à tort que la représentation trouvée en Égypte était la plus ancienne connue, mais que d'autres images considérées comme étant de Jésus la précèdent. L'article a également été mis à jour pour refléter les doutes sur l'authenticité du livret « Sauveur de Galilée », et une référence à la tombe d'un scribe a été supprimée pour préciser que l'image a été découverte dans une structure non identifiée.


Mme Amérique, la nouvelle mini-série FX du créateur Dahvi Waller, raconte l'histoire du mouvement de libération des femmes à travers les femmes fascinantes et controversées qui l'ont façonné. Le drame historique de neuf épisodes, dont les trois premiers épisodes sont maintenant diffusés sur Hulu, se concentre principalement sur la lutte politique entourant la ratification de l'amendement sur l'égalité des droits et la réaction inattendue menée par Phyllis Schlafly, la conservatrice « amoureuse de la majorité silencieuse ».

La mini-série suit les dirigeants des deux côtés du débat, Schlafly luttant contre l'amendement et les cofondatrices du National Women's Political Caucus Gloria Steinem, Betty Friedan, Shirley Chisholm, Bella Abzug et Jill Ruckelshaus se battant pour cela. Tissant de multiples intrigues, à la fois personnelles et politiques, la série offre un portrait nuancé des batailles autour du mouvement des droits des femmes au début des années 1970. Cependant, comme un avertissement qui introduit chaque épisode le note : "Certains personnages du programme sont fictifs et certaines scènes et dialogues sont inventés à des fins créatives et scénaristiques." Alors qu'est-ce qui est réel et qu'est-ce qui est inventé ? Nous avons consulté les livres d'histoire pour décomposer les trois premiers épisodes de la série.

Tout comme dans la vraie vie, Phyllis Schlafly, l'anti-héros blonde et guindée de la série, a construit sa carrière en défendant les rôles traditionnels des femmes et en mobilisant l'opposition conservatrice au mouvement de libération des femmes. Tel que décrit par Cate Blanchett, qui est également productrice exécutive de la série, Schlafly s'avère un personnage toujours sous-estimé, terriblement intelligent et plein de contradictions.

À l'ouverture de l'émission, la mère de six enfants de l'Illinois se prépare à participer à un talk-show pour discuter d'un livre qu'elle a écrit sur la défense nationale. Bien que peu connue, la vraie Schlafly, décédée en 2016 à l'âge de 92 ans, a en effet passé une grande partie de sa première carrière à étudier et à écrire sur des questions liées à la sécurité nationale. Dans son livre de 1965 Frappe depuis l'espace, co-écrit avec le contre-amiral Chester Ward, Schlafly note que pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a travaillé comme "artilleur et technicienne en balistique dans la plus grande usine de munitions au monde". Elle est restée une voix politique active sur la guerre froide et la défense nationale tout au long de sa vie, bien que cette partie de sa carrière ait été largement éclipsée par son rôle dans la lutte contre le mouvement de libération des femmes.

Tout au long de sa carrière, Schlafly a eu des ambitions politiques, auxquelles la série fait référence dans les conversations de Schlafly avec son mari. Elle s'est présentée à la Chambre des représentants des États-Unis en 1952 et à nouveau en 1970, bien qu'elle ait perdu les deux élections dans son district solidement démocrate de l'Illinois. Bien qu'elle se soit présentée sur des questions conservatrices, qu'elle soit farouchement anticommuniste et qu'elle pense que même Richard Nixon était trop modéré sur les droits civiques, Schlafly, semble-t-il, ne s'est sérieusement intéressé aux questions relatives aux femmes que dans les années 1970. Pendant la majeure partie du premier épisode, Schlafly semble avoir peu d'intérêt pour l'ERA ou la libération des femmes, affirmant qu'"il y a tellement de choses plus importantes... comme la sécurité nationale". Cela semble être une représentation précise des points de vue réels de Schlafly jusqu'en 1970. Selon sa nécrologie dans le New York Times, "Mrs. Schlafly a à peine remarqué l'amendement sur l'égalité des droits lorsqu'il a été débattu pour la première fois au Congrès. » Ce n'est qu'en 1971, alors que l'amendement avait déjà été adopté par la Chambre, qu'elle a pris les armes contre celui-ci, a fondé STOP ERA (comme dans l'émission, STOP était un acronyme pour Stop Take Our Privileges), et s'est nommée présidente.

La représentation de l'ascension de Schlafly au pouvoir politique par l'émission est également assez fidèle aux documents historiques de l'époque. Avec la publication de son bulletin conservateur, le rapport Phyllis Schlafly, elle entame une campagne populaire pour s'opposer à la ratification de l'EER. Elle a fait valoir que l'amendement aurait blessé les femmes plutôt que de les aider, en éliminant des protections telles que le droit à une pension alimentaire et l'exemption du projet. L'émission reconnaît finalement qu'une grande partie de cette rhétorique était exagérée de peur, mais elle semble parfois poncer certains de ses bords les plus rugueux afin de la rendre plus sympathique aux téléspectateurs modernes, comme lorsqu'elle dépeint son malaise avec certains des plus de STOP ERA. membres ouvertement racistes. Dans la vraie vie, Schlafly faisait partie des « conservateurs moraux » qui, lors de la Convention nationale républicaine en 1960, se sont opposés au plan du parti pour « une action agressive » contre la ségrégation.

Dans la série, Fred Schlafly (John Slattery) est décrit comme le genre de figure masculine bienveillante et condescendante qui est devenue familière à partir de drames d'époque comme Des hommes fous, dans lequel Slattery a également joué. Il est beau, réussi, charmant, intéressé et condescendant. Bien que Fred prétende soutenir les ambitions politiques de sa femme, il exprime en privé des réserves car il craint que son travail n'interfère avec ses principales responsabilités en tant qu'épouse et mère. Dans l'épisode 1, il lui demande presque de ne plus se présenter au Congrès, affirmant que cela «briserait la famille», et elle acquiesce. On ne sait pas s'il s'agissait bien de la dynamique privée du mariage des Schlafly, mais, quelle qu'en soit la raison, il est vrai qu'elle ne s'est plus présentée aux élections.

Dans une interview avec Vanity Fair, la fille de Schlafly, Anne Schlafly Cori, a affirmé que la représentation de la série de la tension conjugale de ses parents est entièrement fictive : « Mon père et ma mère avaient une relation vraiment merveilleuse », a déclaré Cori à Vanity Fair. «Je pense que la joie qu'ils ont eue dans le mariage a formé une grande partie de leur point de vue sur les rôles des hommes et des femmes ensemble. Leur mariage était heureux parce que c'était une rencontre d'esprits. Intellectuellement, émotionnellement, spirituellement, ils étaient sur la même longueur d'onde et se complétaient. »

Les premiers épisodes montrent que Schlafly est à plusieurs reprises rabaissée, ignorée et harcelée dans ses relations politiques par des hommes moins qualifiés et moins bien informés qu'elle. À un moment donné, on lui demande de prendre des notes lors d'une réunion comme si elle était une secrétaire. Bien qu'il ne soit pas clair si les détails spécifiques de ces interactions sont fondés sur des faits, le traitement correspond à ce que nous savons de la culture autour des femmes sur le lieu de travail à l'époque.

Bien qu'elle ait accédé aux souhaits de son mari, Schlafly établit un pouvoir politique important grâce à sa campagne populaire et reste quelque chose d'une contradiction. Certes, les détracteurs de Schlafly (y compris, comme illustré dans Mme Amériquedans le quatrième épisode de Gloria Steinem) l'a accusée d'hypocrisie, notant que pendant qu'elle soutenait que la place d'une femme était à la maison, elle prenait la route en tant que conférencière, éditrice de bulletin et militante.

In the show, Schlafly becomes politically interested in the ERA after her friend Alice (Sarah Paulson), a housewife and homemaker, expresses fears that the amendment would eliminate benefits like alimony and Social Security and result in women being drafted into the military. Alice later becomes an animated supporter of Schlafly’s conservative campaign. While Alice does not appear to be based on any single historical figure, she can be seen as an amalgamation created to represent the fears and beliefs of many conservative women at the time.

Like her or not, Schlafly was an effective political organizer. Her grassroots campaign, composed largely of conservative women and homemakers, was unexpectedly successful in halting the ratification of the ERA. The show accurately depicts Schlafly’s campaign tactics, which relied heavily on letter writing and employed traditional symbols of the American housewife to inspire political support.


Ancient paintings

Another painting found some years ago at Shivta, in the southernmost of its three ruined churches, shows Christ at his transfiguration — another key event described in the Christian gospels, which are thought to have been written in the first century after his death.

That painting, too, is heavily eroded it shows only an outline of the figure of Christ and a single eyebrow.

But the painting on the ceiling of the northern baptistery — a building used for baptisms and containing the baptismal font — shows most of the face of Christ, as a young man with short, curly hair. [See Images of Jesus' House and Nazareth Artifacts]

The iconography of Christ with short hair was common throughout the east of the Byzantine Empire, Maayan-Fanar explained, especially in Egypt and the Syria-Palestine region. But it was eventually displaced by Byzantine images of Christ with long hair, which remains a common portrayal today.

Christ was also shown as a very young man, she said, because his baptism in the Jordan symbolized a "new birth." For the same reason, the painting shows a larger figure of John the Baptist, who is said to have presided at Christ's baptism, according to the Christian Gospels.

In their study of the baptistery painting, Maayan-Fanar and her colleagues describe the portrait of Christ as that of a youth with "short curly hair, a prolonged face, large eyes and an elongated nose." It represents a sixth-century convention of Christ's appearance, rather than his actual appearance, which is not described in the Gospels: "It would be wonderful, but how would we know?" elle a dit.


Depictions of the Lower Class

Victorian portrayals of lower- and working-class children in both urban and rural contexts were somewhat different. The lower-class female might be incredibly rosy-cheeked, tidy, and sweet, whether as a farm lass, peasant, or street vendor. All such girls were perceived essentially as objects of pity or amusement, with little sense of the sordid and oppressive social conditions that impoverished children endured. Boy urchins, whether in the pages of Punch magazine or in Royal Academy paintings, were sanitized into healthy, scruffy, and unthreatening children.

The dead or dying child appeared frequently in Victorian era paintings as well, reflecting the high mortality rates (compared with modern statistics) among all classes. Many scenarios𠄻y George Hicks, Thomas Faed, and Thomas Brooks�ture parental bedside vigils in which the need for Christian faith and fortitude are endorsed. As in the literary realm, the picturesque appeal of the helpless orphan, especially vulnerable female ones𠄺s in the paintings of Emily Mary Osborn, George Storey, and Philip Calderon𠄺lso was favored by Victorian audiences.

Modern audiences have been inculcated with Victorian notions of childhood by a variety of sources, from an endless proliferation of Kate Greenaway-decorated items to contemporary magazines that combine nostalgia for the past with gauzy finery and images of female decorativeness, passivity, leisure, and conspicuous consumerism. The Victorian literary characters Alice, of Alice's Adventures in Wonderland, and PETER PAN, of James Barrie's 1904 novel Peter Pan, or The Boy Who Would Not Grow Up, have earned permanent places in the public imagination, due to DISNEY films and to the enduring appeal of the girl seeking authority over her fantasies and the boy escaping the responsibilities of adulthood by refusing to grow up.


What is the earliest depiction of a crane? - Histoire

First Robots - in Literature

The Steam Man, Hadaly, and Tik-Tok

  1. Edward S. Ellis' The Steam Man of the Prairies (1868)
    A science-fictional dime-novel, first published in Irwin's American Novels # 45 in 1868.
    If the novel's title character can be considered a 'robot', then this short novel was the first portrayal in literature of a 'robot' or nonsentient automaton - called the Steam Man. The 'mechanical' metal man, a steam-boiler used for locomotion to pull a carriage, was made of iron and was approximately 10 feet tall. It was constructed by teenaged Johnny Brainerd, the inventor in the novel.
  2. Auguste de Villiers de l'lsle Adam's L'Eve Futur (1886, Fr.) (aka The Future Eve, or The Eve of the Future)
    A published book - a classic science-fiction tale that popularized the term "android." Allegedly, the French novelist was inspired to write his book after viewing Edison's display of inventions at the International Electrical Exhibition in Paris in 1881. The story was serialized in 1884 and published as a book in 1886.
    It told about a brilliant British alchemist (modeled after Thomas Edison) who offered to create a mechanical, robotic facsimile of his friend Lord Ewald's beloved fiancee - a stage performer and singer named Alicia Clary. The misogynistic alchemist's goal was to create a perfect and natural, electrical, and mechanical variation of Alicia, who would bring Ewald true happiness - without female personality problems or other physical human imperfections that were causing Ewald to contemplate suicide. The android (andreide), Hadaly, was indistinguishable from Alicia. It had a phonographic apparatus to realistically reproduce Alicia's voice, and was supernaturally endowed with the spirit of Sowana, Edison's mystical assistant. The 'robot' or creation was not a real female "but an angel, not a mistress but a lover, more than reality, an ideal."
  3. L. Frank Baum's Ozma of Oz (1907)
    The third book of Baum's Oz series. It featured the round-bodied Tik-Tok, made of burnished copper and with jointed arms and legs (with polished caps on them), and requiring its inner springs to be wound in order to function. The card on his back read:

The Mechanical Statue and the Ingenious Servant (1907)

Mechanical Men

(Survival status unknown, although a Vitagraph paper print extract or fragment is reported to exist)

This very early, Vitagraph one-reel (or half-reel) film from director J. Stuart Blackton, was the first American film with 'robot' predecessors - called mechanical men (also known as automatons).

In the slapstick comedic story, a sculptor had hand-built a "mechanical statue" which danced when wound up. It was bought by a customer who took it home. There, a house-servant started it up, but the statue ran away. The "ingenious" servant was able to deceive the master of the house, pretending to be the 'mechanical' robot.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908)

Tik-Tok (The Machine Man)

Tik-Tok first appeared in film in The Fairylogue and Radio-Plays (1908), presented in Baum's live travelogue stage presentation (with Tik-Tok - The Machine Man, portrayed by Wallace Illington). The multi-media presentation was a mix of live-action, hand-tinted 'magic lantern' slides, film, and Baum's own narration.


The cast of The Fairylogue and Radio-Plays (1908)
Is Tik-Tok on Baum's left?

[Note: Tik-Tok reappeared much later as the mustached Tik-Tok in Disney's film Return to Oz (1985). See later entry.]

Early 'Robot' Films in the Silent Era

In many cases in these early 'robot' films, the automatons (or automated thinking machines, often functioning as robots or servants) could prove to be dangerous or deadly after running amok, as in Frankenstein (1931).

Early depictions of "mechanical men" included these short films (often comedies and usually one-reel) - sometimes reflecting the encroachment of machinery and the increasing fear of industrialization:

  • An Animated Doll (1908), from Essanay
  • An Extraordinary Duel (1909, Fr.), , from Pathé Frères, about two dueling men (one black, one white) who kept destroying each other, but then were reanimated and rebuilt to continue fighting
  • The Rubber Man (1909), from the Lubin Company, about a mechanical creation that ran amok through a town and village before being short-circuited by being doused in a water trough
  • Dr. Smith's Automaton (1910, Fr.), from Pathé Frères
  • A Mechanical Husband (1910, UK), about a girl who objected to her father's choice of a man and fell in love with an automaton
  • The Automatic Motorist (1911, UK), a comedic fantasy take-off of Georges Melies' A Trip to the Moon (1902), and a mix of live-action and stop-motion animation, in which a mechanical chauffeur drove a newly-wed couple on a honeymoon trip to Saturn
  • The Inventor's Secret (1911), from Biograph (and writer/director Mack Sennett), about a cop (Dan, portrayed by Sennett) who set out to retrieve a missing girl and collect a $500 reward, but mistook an automatic doll for the child
  • The Electric Leg (1912, UK), about the invention of a primitive prosthetic or electric leg for disabled individuals by Professor Bound, but for one amputee, the artificial leg had a mind of its own he lost control of it and it took a man into a girls' dormitory
  • The House of Mystery (1912, Fr.), from Pathé Frères, with a mechanical policeman
  • Sammy's Automaton (1914, Fr.), about Sammy thoughtlessly turning a lifeless mannequin-dummy into an uncontrollable, lascivious automaton
  • The Automatic House (1915), from Empress, about an automatic maid in a "automatic house"
  • The Mechanical Man (1915), from Universal, about a "mechanical man" (Walter Frederick Trevallion, as Phroso)
  • Hoffmanns Erzählungen (aka Tales of Hoffman) (1916, Ger.), was told in three stories/parts about the hero's past loves in the first, the hero young Hoffmann (Kurt Wolowsky) fell in love with a life-sized automaton, a living marionette named Olympia (Alice Scheel-Hechy) he had been duped by Coppelius (Friedrich Kühne) into wearing a pair of magic eyeglasses that made inanimate objects come to life when the deception was revealed, the automaton was torn to pieces
  • Homunculus (1916, Ger.), an expressionistic, six-part serial about diabolical, mad scientist Dr. Hansen's (Adolf Paul) (and his assistant Edgar Rodin's (Friedrich Kühne)) creation of a bitter, soulless, artificial man, the Homunculus (Olaf Fønss), that became tyrannical
  • A Clever Dummy (1917) , from Mack Sennett and Triangle/Keystone, about an inventor named Samuel Tinker (James Donnelly) who created a remote-controlled mechanical robot dummy modeled after the building's janitor (silent film comedian Ben Turpin known for his crossed-eyes) then to further romance, the janitor traded places with the dummy during a vaudeville stage performance to get closer to a woman in the show with whom he was smitten.

The Golem (1920, Ger.) (aka Der Golem)

Golem

Paul Wegener directed three influential adaptations of the Golem legend by Gustav Meyrinck:

  • Der Golem (1914, Ger.) (aka The Monster of Fate)
  • Der Golem Und Die Tanzerin (1917, Ger.) (aka The Golem and the Dancer) - notably the first horror film sequel
  • Der Golem (1920, Ger.) (aka The Golem: or How He Came Into the World), with Karl Freund as cinematographer

The first expressionistic film was based upon Central European myths and influenced later 'Frankenstein' monster films in the early 1930s with themes of a creator losing control of his creation. The Golem, played by Wegener himself, was an ancient clay figure from Hebrew mythology that was brought to life by Rabbi Loew's magic amulet to defend and save the Jews in 16th century Prague from a pogrom threatened by Rudolf II of Habsburg.

The giant man-made, clay creature roamed and lumbered through the Jewish ghetto of medieval Prague to protect it from persecution.

The Master Mystery (1919 or 1920) (aka The Houdini Serial, and Le Maitre du Mystere)

Q, or The Automaton

Director Burton King's and Harry Grossman's independently-produced serial (with 15 episodes, some of which are lost) was made by Studio Pathe in France.

It starred magician and trick escapist artist Harry Houdini as heroic Justice Department/secret service agent Quentin Locke who battled a threatening and criminal international cartel/corporation (the Patent Company).

The serial featured a huge, mechanical, evil robot named Q or The Automaton (Floyd Buckley), the cartel's protective robot-servant. The criminal mastermind had a goofy-looking face and a barrel-shaped pelvis. Houdini exposed the robot as a human in disguise.

This film had one of the earliest (if not the first) on-screen theatrical representation of a traditional robot.

The Mechanical Man (1921, It.) (aka L&rsquoUomo Meccanico)

Mechanical Man

Writer/director Andre Deed's short silent film (only parts of which survive, in a fragmented form - in total, about a third of the original 80 minutes in length) featured a giant, super-powered, 9-10 foot-tall, colossal evil "mechanical" robot, designed to commit robberies and create mayhem.

It was programmed and remotely-controlled by evil villainess adventuress Mado (Valentina Frascaroli) to cause severe damage with its fiery, acetylene blow-torch hands and its massive bulk.

The lumbering robot had headlights for eyes, and had the capability of running at high speed.

The film's finale featured a climactic battle at a masked ball in the Opera House between the first monstrous robot and a second mechanical robot, specifically created (with similar specifications) to destroy the first one.

"Fake" Maria

This future dystopic silent film from director Fritz Lang featured one of the earliest robots (and also female!), a great iconic image. At the time, most robots were either asexual or male. The story was set in the year 2026 in the city of Metropolis.

The luxurious, futuristic, Art Deco city - an industrial world with skyscrapers and bridges, was divided or stratified into an upper, elite, privileged class of powerful industrialists and a subterranean, nameless, oppressed and exploited, ant-like worker/slave class. An elite, privileged ruling technocracy, led by Joh Fredersen (Alfred Abel), was run on the back-breaking labor of underground masses of toiling workers who ran the machines.

The children were cared for by the beautiful heroine Maria (Brigitte Helm), who brought them to a forbidden artificial grotto of the ruling class. There, her beauty overwhelmed Freder (Gustav Frohlich), the son of the ruler of Metropolis, and he fell in love with her. When he went searching for her, he became appalled by the horrors of the working world and the waste of life. After discovering the workers' clandestine meeting led by Maria, Freder's controlling, glacial father conspired with archetypal mad scientist Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) to create an evil, robotic Maria look-alike duplicate (explicitly created to replace a specific human), in order to manipulate his workers and preach riot and rebellion.

The Art Deco-styled female robot (also Brigitte Helm) was constructed and brought to life by Rotwang as a metal android (later inspiring Star Wars' C-3PO). It was supposed to resemble the dead wife of the city&rsquos ruler. Rotwang had kidnapped the virtuous and compassionate union leader heroine Maria, and created an evil doppelganger of her in his laboratory - in a stunning transformation scene in which he copied Maria's face and body onto the metal surface of the robot.

She was to deceptively become an evil, seductive and sadistic version of Maria. The robot had a fully-armored head, with slits for eyes and mouth, sculpted shoulders, as well as a mechanically-jointed body with armor-like coverings on the legs and feet.

The android was created in order to discredit the real Maria by - among other things, performing lascivious, erotic dances to a frenzied male audience to incite them to riot (as part of the aristocracy's plan to brutally subdue them).

Der Herr Der Welt (1934, Germ.) (aka Master of the World)

Giant Industrial Robot, and Army of Killer Robots

Prolific director Harry Piel's fourth science-fiction film (of a quartet of science fiction films) was a tale about robots created to take the place of human labor, but also posing a potential threat of taking over the world.

Robot inventor, machine manufacturer and scientist Dr. Erich Heller (Walter Janssen) and handsome mining engineer Werner Baumann (Siegfried Schürenberg) discussed a futuristic world where robotic machines would liberate mankind from hard labor or dangerous occupations (such as mining). In his work, Heller was assisted by Professor Wolf (Walter Franck), a demented and crazed colleague who had completed work on a giant robot (equipped with death rays) in Heller's long absence. While confronting Wolf with overstepping his authority, Heller ordered the entire project to be dismantled, and was 'accidentally' killed by the robot under Wolf's control.

Soon after, Wolf's evil plan was to displace mine workers with a vast army of killer robots, thus leaving the laborers unemployed. In fact, the robots were attacking the mine workers who tried to get their jobs back. Baumann had warned Wolf that the workers would revolt if they lost their jobs, although Wolf's evil plan was to crush any revolts with his 'war machines' and achieve world domination ("master of the world").

In a climactic scene in the laboratory, there was a stand-off between Baumann, now in love with Vilma (Sybille Schmitz) - the widow of Dr. Heller and rightful owner of her dead husband's company, and Wolf, who ordered his giant robot to attack Baumann. Wolf was assaulted and killed by his own machine when he was caught in the cross-fire of death rays (looking like static electricity bolts). The lab and the robot were destroyed in an explosion.

Flash Gordon (1936) (aka Space Soldiers)

Ming's Army/Guards (possibly non-robotic!)

In this popular 13-part serial, blonde polo player Flash Gordon (Larry 'Buster' Crabbe) and Dale Arden (Jean Rogers) joined up with Dr. Zarkov (Frank Shannon) on his home-made rocketship and went to the planet Mongo. There, they confronted the evil ruling emperor, Ming the Merciless (Charles Middleton), with pretty daughter Princess Aura (Priscilla Lawson).

At the time, the planet Mongo was on a collision course with Earth. Zarkov was able to persuade Ming to stop Mongo's destructive path, although the tyrannical Ming then decided to take over Earth himself - and abduct Dale for himself.

In the first chapter, Flash, Dale, and Zarkov were taken prisoner by Officer Torch and two helmeted, mechanized robotic guards, known as "Annihilants". Ming's deadly army was composed of these mechanical robotic soldiers with scientifically-advanced rifles. When they went outside, the guards appeared to be wearing some kind of undergarment under their armored suits.

[Note: Some regarded the army's soldiers as non-robotic, as per the comic strip which portrayed the guards as human when they took off their helmets.]

Undersea Kingdom (1936)

Volkites

This early action-packed Republic Pictures serial (with twelve episodes or chapters) was produced in haste to compete with Universal's Flash Gordon (1936) serials. It starred naval action hero Lt. Ray "Crash" Corrigan (Ray Corrigan) and featured the lost city of Atlantis at the bottom of the sea.

Trash can-like robot soldiers with zap rays guns (Atomguns) called Volkites were commanded by warlord Unga Khan (Monte Blue), the evil tyrannical ruler of the Black Robes and remote-controlled by his equally-evil henchman Captain Hakur (Lon Chaney, Jr.). The Volkites were used to attack the sacred city of Atlantis.

The Phantom Creeps (1939)

"Iron Man"

Universal's 12-part serial titled The Phantom Creeps, was advertised as having: 12 Spine-Shivering Action Chapters. This was the last serial for Bela Lugosi who starred as mad scientist Dr. Alex Zorka intent on taking over the world.

He invented a fearsome, slow-moving 8-foot golem-like iron monster or robot that he referred to as "his iron man" (played by 7'4" tall stuntman Ed Wolff), featuring a sculpted round human-like head.

The super-strong robot was remote-controlled, designed to "crush all opposition and make me the most powerful man in the world" - according to Dr. Zorka.

The Tin Man (aka The Tin Woodman)

In this beloved musical fantasy film, the Tin Man (Jack Haley) (aka The Tin Woodman in L. Frank Baum's original book) was one of the fanciful characters in the Wonderful Land of Oz. In fact in the novel, however, the Tin Woodman was originally born human as Nick Chopper, but because of many accidents with his own axe, he was forced to replace all of his body parts and limbs with tin - becoming a cyborg!

He was a silver-faced, funnel-capped robot who joined Dorothy (Judy Garland) on her journey to Oz' Wizard in the Emerald City to request a heart to fill his hollow chest ("The tinsmith forgot to give me a heart" and "If I only had a heart. "). He was first found rusted immobile from moisture and needed to be oiled to begin moving again.


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